[서울문화인] 덕수궁 덕홍전에서 ‘전통한복 일생의례, 탄생에서 성년례까지’ 전통한복을 소개하는 전시가 진행되고 있다. 일생의례란 한 사람이 태어나 평생 겪는 삶의 중요한 고비마다 그 변화를 잘 받아들이기를 바라는 마음을 담아 예를 갖추는 의식을 말하는 것으로 한국공예·디자인문화진흥원(원장 장동광, 이하 공진원)과 문화재청 궁능유적본부 덕수궁관리소(소장 권점수)가 한국인의 ‘일생의례’와 전통복식의 의미를 되새기고, 그 속에 담긴 한문화의 가치를 조명하고자 기획되었다. 이번 전시에는 권혜진, 김미정, 김혜순, 엄정옥, 안혜선(가나다 순) 등 총 5인의 중견 한복디자이너가 참여하여 백일, 첫돌, 관례, 계례 등을 주제로 다양한 아동한복 10종을 선보이고 있다. 특히 이번에 소개되고 있는 한복은 공진원과 한국실크연구원이 개발한 전통원단 11종을 활용하여 전통방식의 직물원단 소재가 주는 색감과 문양, 독특한 한국적 아름다움을 잘 느낄 수 있다. 공진원 한복진흥센터 김승배 센터장은 “이번 전시에 나온 10종의 전통한복작품은 지금 우리 아이들에게 바로 입힐 수 있을만큼 세련되고 현대적인 디자인을 자랑한다” 고 밝힌 뒤, “전통한복의 일상속 향유기회를 확대하기 위해 기획되었으며, 가정의달을 맞아 과거와 현재, 그리고 미래세대를 이어주는 한복문화의 가교가 되길 기대한다”고 덧붙였다. 한복이 지닌 고유한 아름다움을 느낄 수 있는 이번 전시는 19일까지 진행되며, 덕수궁을 방문하는 누구나 오전 9시부터 오후 6시까지 자유롭게 관람이 가능하다. [권수진 기자]

[서울문화인] 2024 화랑미술제가 오는 4월 3일 VIP 프리뷰를 시작으로 3일부터 7일까지 5일간 코엑스(Coex) C, D홀에서 개최된다. 사단법인 한국화랑협회가 주최하는 화랑미술제는 42년의 역사와 전통을 자랑하는 국내 최장수 아트페어로 매년 한 해를 여는 대형 아트페어로 국내 미술시장의 바로미터 역할을 하고 있다. 한국화랑협회에 따르면 올해 총 156개의 국내 갤러리가 참가, 기성작가의 작품뿐만 아니라 재기발랄한 신진 작가의 작품들을 함께 선보일 예정이여서 기존 컬렉터들에게는 또 다른 취향 발견의 기회가, 신규 컬렉터들에게는 미술시장 입문의 기회가 될 것이라 전했다. 뿐만 아니라 올해 화랑미술제는 모든 회원 화랑에게 동일한 부스 크기를 제공하여 평등한 기회를 제공하고, 부스당 6명 이하의 작가의 작품을 출품하도록 권고하여 나열식 전시가 아닌 세심하게 큐레이션 된 전시를 선보일 것이라 밝혔다. 국제갤러리는 최근 서울관에서 개인전을 개최한 김홍석을 비롯해 쟝-미셸 오토니엘(Jean-Michel OTHONIEL), 칸디다 회퍼(Candida HÖFER) 등 지속적으로 조명해온 저명한 국내외 작가들을 선보일 예정이며, 갤러리현대는 1세대 행위예술가 이건용과 실험미술의 주역으로 꼽히는 이강소의 작품 등을 소개한다. 금산갤러리는 지난 Kiaf SEOUL 2023에서 아트 콜라보레이션을 통해 관람객들에게 색다른 즐거움을 선사하며 주목받은 윤필현의 위트 있는 작품을 다시 한 번 선보이며, 학고재는 이우성, 장재민, 지근욱, 김은정 등 현대미술의 새로운 장을 열어가는 프론티어들과 함께한다. 또한, 솔로 부스를 통해 단일 작가를 집중 조명하는 갤러리도 다수 있다. PKM 갤러리는 '붓질'이라는 근원적인 행위를 통해 회화의 본질을 탐구해 온 신민주, 더페이지갤러리는 재료의 고유한 물성을 드러내는 데 중점을 두고 미니멀리즘 추상 조각 작업을 해온 조각가 박석원, 갤러리마크는 스페인 출신의 다원 예술가 하비에르 마틴(Javier MARTIN), 우손갤러리에서는 넓은 색면과 선, 점 등의 요소를 자유자재로 섞어서 화면을 구성하는 허찬미의 정물화, 갤러리세줄은 한지와 먹이라는 대표적인 한국적 요소를 주재료로 다루는 차계남의 2미터가 넘는 대형 작품들을 선보일 예정이다. 일본 현대미술을 대표하는 작가들도 이번 화랑미술제에서 만나볼 수 있다. 가나아트는 90년대 이후 일본미술을 대표하는 화가로 인정받는 작가 히로시 스기토의 개인전을 조현화랑은 일본의 모노하 운동을 이끈 키시오 스가의 작품을 출품하며, 갤러리조은은 국내외 유망 작가들을 조망하는 가운데 Kiaf SEOUL 2023에서 솔드아웃되며 성공적으로 국내에 데뷔한 타츠히토 호리코시의 신작을 선보이며, 갤러리밈에서는 일본 미술전문지 미술수첩에서 2021년 ‘일본작가 100인’에 선정되며 차세대 작가로 꼽히는 카이토 이츠키의 작품을 소개한다. 2024 화랑미술제의 주요 프로그램으로는 신진작가 특별전 ZOOM-IN Edition 5, 미술시장의 각 분야 전문가와 함께하는 토크 프로그램 ART&ARTIST TALK, 그리고 엄선된 작품을 행사 전 미리 만나볼 수 있는 특별 온라인 프리뷰가 준비되어 있다. 화랑미술제 신진작가 특별전 ZOOM-IN 5회차를 맞은화랑미술제 신진작가 특별전 ZOOM-IN(이하 줌인)은 회화, 조각, 설치 등 다양한 장르에서 활동하는 만 39세 이하의 신진작가를 대상으로 한 화랑미술제의 작가 발굴 프로그램이다. 공모를 통해 사전에 작가 10인이 선정되었고, 페어 현장에서 관람객 투표와 전문가 심사를 합산해 최종 2024 ZOOM-IN 어워즈의 수상자 3인이 가려진다. 어워드 수상자들에게는 상금과 특별 프로모션 혜택이 제공된다. 올해는 약 570여명의 작가가 공모에 지원한 가운데 10명의 작가가 선발되었다. 선발된 작가는 곽아람, 김보경, 김한나, 송지현, 심예지, 이성재, 이호준, 장수익, 최명원, 최혜연 (ㄱㄴㄷ 순)으로, 특히 출품 장르의 다양성과 한국화의 약진이 두드러졌다. ART&ARTIST TALK 화랑미술제는 지난해 ZOOM-IN 작가들과 비평가들과의 ARTIST TALK(이하 아티스트 토크)를 비롯한 다양한 ART TALK(이하 아트 토크) 강연 프로그램을 통해 미술 애호가와 미술시장에 새로이 진입하는 컬렉터에게 유용한 전문 지식을 제공하며 호평을 받았다. 2024 화랑미술제에도 더욱 다채로운 토크 프로그램이 기다리고 있다. 4월 4일(목)부터 4월 6일(토)까지 D홀 토크 라운지에서 진행될 이번 행사는 작가와 갤러리, 비평가를 아우르는 미술시장의 균형 잡힌 성장과 올바른 컬렉팅 문화 형성에 초점을 맞춘다. 아트 토크 강연으로는 ‘크리스티 홍콩’의 정윤아 부사장이 국내외 미술시장 트렌드를 살펴보며 컬렉팅 가이드를 제시하고, 이유경 변호사가 미술세법, 진흥법, 문화재 보호법 등 미술과 관련된 법률 이슈를 다룰 예정이다. 김영애 이안아트컨설팅 대표는 패션과 아트라는 다르면서도 닮은 두 산업 간의 융합을 주제로 콜라보레이션 사례와 브랜드 컬렉션 등을 소개한다. 또한, 신진작가 특별전 줌인과 연계한 아티스트 토크에서는 안진국, 이문정, 이태호, 고동연, 김수진, 김허경 평론가와 줌인 선발 작가 6인(곽아람, 김보경, 김한나, 이성재, 이호준, 최명원)의 대담이 진행된다. 모든 토크 프로그램은 한국화랑협회 유튜브 채널(www.youtube.com/@user-td4xh3io7r)을 통해서도 생중계된다. S.I.VILLAGE 와 함께하는 온라인 프리뷰 2024 화랑미술제는 신세계인터내셔날의 프리미엄 온라인 부티크 S.I.VILLAGE(이하 에스아이빌리지)와 협업해 행사 2주 전인 3월 18일(월)부터 행사 종료일인 4월 7일(일)까지 에스아이빌리지 홈페이지(https://www.sivillage.com/)에서 특별 온라인 프리뷰를 진행한다. 화랑미술제 출품작 중 엄선된 47점을 온라인에서 선보일 예정으로, ▲한국 모노크롬을 대표하는 ‘윤형근’ ▲실험미술의 선구자 ‘김구림’ ▲지난해 아트선재센터에서 대규모 개인전을 개최한 ‘서용선’ ▲차세대 작가로 주목받는 ‘이우성’ ▲ZOOM-IN EDITION 4 대상 수상자 ‘젠박’ ▲최영욱 ▲아트놈 등 다수의 국내 인기 작품이 중점적으로 선보여진다. 또한 신진작가 특별전 ZOOM-IN 선발 작가 일부의 작품도 만나볼 수 있다. 프리뷰에는 최예림, 심성아 도슨트가 온라인 큐레이션을 통해 작품에 대한 깊이 있는 분석과 특징, 비하인드 스토리 등을 전달한다. 또한 아트페어 감상 팁과 컬렉터를 위한 온라인 가이드 등이 제공, 초보 컬렉터나 미술시장에 입문하는 신규 고객들도 부담 없이 즐길 수 있게 할 예정이다. 2024 화랑미술제의 일반 입장권의 가격은 20,000원이며, 학생(초ž중ž고등학생) 및 예술인 패스 소지자와 미술협회 회원은 할인된 금액인 15,000원으로 구매가 가능하다. 또한, 2024 화랑미술제 도록을 온라인에서 무료로 배포된다. [권수진 기자]

[서울문화인] 영화와 그 영화 속의 소품과 세트가 전시장에 펼쳐져 있고 벽면에는 대형 목판화(차콜 드로잉)와 마치 여러 작가의 화풍을 모아 놓은 듯한 오일 파스텔화가 가득하다. 벨기에 작가 리너스 반 데 벨데의 작업세계를 조망하는 국내 첫 개인전 《리너스 반 데 벨데: 나는 욕조에서 망고를 먹고 싶다》가 아트선재센터와 스페이스 이수, 두 곳에서 선보이고 있다. 리너스 반 데 벨데(Rinus van de Velde, b.1983)는 가상과 실제, 평행우주 안의 무한한 개연성에 대하여 끊임없이 탐구하고 있는 작가로 그는 실제적 사건들과 상상력 속에서 혼합된 가상의 이야기를 직접 촬영하거나 수집한 사진, 매체에서 클리핑 한 이미지나 역사적 인물의 삶에 대한 기록 등 일차적 사료를 기반으로 각 작품 속 독특한 세계관을 영상, 회화, 설치 등 다양한 장르로 보여주고 있다. 특히 그는 실제적 사건들과 상상력 속에서 혼합된 가상의 이야기를 독특한 스토리텔링으로 영상화하고 있다. 영상(영화)에는 작가와 유사한 용모의 인물을 등장시켜 도플갱어, 평행우주 개념을 작품 세계에 끌어들여 회화를 확장시키고 있다. “상상력은 인간에게 주어진 재능이며, 이를 최대한 활용해야 한다고 확신한다. 무언가를 현실에서 직접 경험하는 것보다 상상하는 것이 더 흥미로운 경우가 많다. 공상은 강력한 도구이며 우리가 현실을 성찰하는 데 사용할 수 있다.” ‘문밖에 나가지 않고도 천하를 알고, 창문 틈으로 내다보지 않고도 하늘의 도를 볼 수 있다. 멀리 나가면 나갈수록 그만큼 덜 알게 된다.’는 도덕경의 노자의 말처럼 작가의 특이점은 여행을 거의 하지 않고 매일 집과 작업실을 오가며 자신의 작업실 안에서 상상과 공상만으로 스스로 설계한 내적 여행을 떠나고 이를 영상과 회화로 제시하고 있다. 실제 11세 때 부모와 그랜드 캐니언을 보기 위해 미국여행을 떠났지만 장시간 비행과 이동에도 불구하고 그 앞에서 도착하여서도 차에서 내리기를 거부하였다고 한다. 이는 ‘차라리 집에 머무는 게 낫다’, ‘내적 여행’, ‘안락의자 여행자’ 등 최근 그의 작품 제목에도 잘 드러난다. 반 데 벨데는 직접 여행하는 대신 잡지, 미술 서적, 역사서, 인물 전기 등 책과 영화, 뉴스 등에서 영감을 얻어 상상력만으로 모험을 즐기고 이를 작품에 녹여내고 있다. 이번 그의 첫 한국에서의 개인전에서도 자신을 찾아가는 작가 특유의 상상적 여행을 회화와 조각 그리고 영상으로 펼쳐 보이고 있다. 먼저 이번 전시에서 소개되는 회화는 어딘가 익숙하듯 하면서도 어떤 것이 작가의 특징인지 모호하게 느껴질 정도로 화풍이 다르다는 점에서 마치 여러 작가의 작품을 한자리에서 마주하고 있다는 느낌을 받는다. 그의 최근의 오일 파스텔화는 인상주의나 표현주의 같은 20세기 초의 외광파 작가들과 상상의 대화를 나누고 상상의 풍경을 그린 것들이기 때문이다. 반 데 벨데가 많은 미술 사조들 속에서도 외광파를 주요하게 다루는 이유에 대해 “내 현실과 가장 거리가 멀기 때문이다. (…) 중요한 것은 꿈과 욕망이라는 것을 깨닫는다. 무언가를 상상하여 상상의 풍경에 도달하거나 과거의 외광파 화가들과 대화를 나누고자 하는 것, 그 예술 운동을 이해하고 더 깊이 이해하려는 꿈과 욕망이다.”고 밝히고 있는데 그는 반어적으로 ‘빛과 자연을 찾아 작업실 밖으로 나간 외광파 작가들이 작업실 밖으로 나가지 않는 자신과는 가장 다르기 때문’이라 한다. 외광파 화가들이 밖으로 나가서 실제로 보고 겪은 자연에서 영감을 얻는다면, 반 데 벨데는 작업실 안 안락의자에 머물며 상상의 여행을 하고 상상의 풍경을 그려내고 있다. 이번 전시에는 외광파 작가로서의 반 데 벨데가 그린 하늘, 바다, 호수, 숲, 들판을 담은 풍경화들로 가득하지만 작가의 회화는 마치 미술사를 가로지르며 다양한 작가의 예술을 세계를 마주하는 듯하다. 이번 전시 제목은 그의 작품 제목 <나는 해와 달과 구름이 지나가는 것을 보면서 욕조에서 망고를 먹고 싶다…)>(2023)에서 가져온 것으로 이 글은 앙리 마티스가 그림 그리기에 가장 좋은 빛을 찾기 위해 프랑스 남부로 여행을 떠났을 때 한 말이기도 하다. 작가는 이 인용문을 여러 색의 빛으로 가득한 추상화 밑에 손 글씨로 써서 빛을 찾아 여행한 20세기의 야수파 화가와 자신을 동일시하는 한편 사실 자신은 실제로 떠나지 않고도 자기 집 따뜻한 욕조에 몸을 담근 채 이국적인 세계로 상상의 여행을 떠날 수 있다는 작업관을 역설적으로 드러내고 있다. 앞서 그는 실제적 사건들과 상상력 속에서 혼합된 가상의 이야기를 독특한 스토리텔링으로 영상화하고 있다고 밝혔는데. 영상(영화)에는 작가와 유사한 용모의 인물을 등장시켜 도플갱어, 평행우주 개념을 작품 세계에 끌어들이고 있다. 아트선재센터 2, 3층에는 회회 외에 두 편의 영화를 중심으로 전시가 구성되었다. 먼저 영화 <라 루타 내추럴>(2019-2022)은 똑바로 읽어도 거꾸로 읽어도 같은 제목처럼 초현실적인 세계로의 여행을 통해 자아의 죽음과 탄생을 반복하고, <하루의 삶>(2021-2023)은 외광파 작가의 하루 동안의 여정을 그리고 있다. 특히 영화 속 주인공은 작가의 얼굴을 본뜬 마스크를 쓰고서 작가의 도플갱어를 연기하며 가상과 실재, 모험과 일상, 삶과 죽음을 되풀이하며 저마다의 ‘하루의 삶’을 살아간다. 또한 영화 속에 등장하는 장치들은 모두 작가가 작업실에서 목재와 골판지 등으로 직접 만들어 제작하고 있다. 스페이스 이수에서는 상상의 여행으로 들어갈 수 있는 통로가 되는 영화 세트이자 조각인 ‹소품, 터널›(2020) 외에도 공상을 하고 영감을 얻는 자리이자 여러 평행우주로 들어갈 수 있는 입구인 빈 침대를 그린 차콜 드로잉 그리고 탐험가, 예술가 등의 실존 인물들의 전기에 기반해 ‘허구적 자서전’을 담은 오일 파스텔화 등을 만나볼 수 있다. 상상과 현실, 가짜와 진짜, 미술과 언어 등이 충돌하고 또 서로 간의 경계를 모호하게 하지만 오히려 이러한 작가의 삶과 내적 모험을 풀어낸 작품과의 동행을 통해 기존의 미술 시야를 벗어나 예술을 새로운 시선으로 바라볼 수 있는 시야를 열어주는 전시가 아닌가 싶다. 이번 전시는 5월 12일 아트선재센터, 스페이스 이수에서 전시를 마치고 5월 말 전남도립미술관으로 이동해 전시를 이어간다. 전시 기간에 평일 오후 3시, 주말 오후 3시, 5시에 도슨트 전시해설이 진행된다. 스페이스 이수는 토, 일, 공휴일은 휴관이다. 관람료는 성인기준 10,000원이며, 스페이스1, 스페이스2, 더그라운드의 전시와 함께 관람할 수 있다. [허중학 기자]

[서울문화인] 요즘 국립박물관을 방문하면 전시 외에도 관람객의 사로잡는 곳이 가상현실(VR)과 증강현실(AR) 등 인터렉티브 콘텐츠를 선보이는 실감 영상실이다. 그런데 이런 실감 영상을 박물관이 아닌 공연극장에서도 만날 수 있다. 국립극장(박인건 극장장) 공연예술박물관(관장 이주현)이 박물관 1층, 기존 별오름극장 공간에 2023년 3월 개관한 ‘별별실감극장’에서 공연예술을 프로젝션 매핑 기술과 멀티 센서 등을 활용해 만든 인터랙티브 실감 영상을 선보이고 있다. <귀토><온춤><호두까기 인형> 등 신규 콘텐츠 3편, VR백스테이지 투어 등 체험존 마련 ‘별별실감극장’이 2월 27일(화)부터 신규 콘텐츠를 선보이고 있다. 신규 콘텐츠는 실감 영상 3편과 증강·가상현실을 접목해 개발한 체험 프로그램 2개로 구성되어, 국립극장 공연을 새로운 방법으로 감상하고 작품과 직접 소통할 수 있는 체험 기회를 제공하고 있다. 먼저 몰입형 실감 영상 3편은 창극·전통무용·발레 등 인기 레퍼토리 공연 속의 주요 장면을 생생하게 구현해 관람객이 작품 속에 있다는 착시 효과를 불러일으킨다. 관람객 움직임에 반응하는 인터랙션 기법은 더욱 생생한 경험과 강력한 몰입으로 이끈다. 새롭게 공개된 영상 3편 중, 국립창극단 <귀토, 토끼의 팔란>은 작품의 배경인 깊은 바닷속 신비한 용궁의 모습을 화려한 애니메이션으로 그려내었다. 토끼의 수궁 탐험에서부터 깨달음을 얻고 육지로 돌아오는 순간까지 한순간도 눈을 뗄 수 없는 장면들이 펼쳐진다. 이어 국립무용단 <온춤>의 ‘월하정인’과 ‘산수놀음’ 영상에서는 무용수의 움직임과 감정선에 맞추어 바뀌는 시공간이 눈길을 끈다. 달에서 등장하는 남녀, 한량무를 추는 선비의 손끝을 따라 움직이는 나뭇잎 등 다양한 효과로 눈을 즐겁게 한다. 공연에서 안무·출연을 맡은 국립무용단원 박기환, 박지은, 황태인, 이도윤이 제작에도 참여해 실감 영상의 완성도를 높였다. 마지막으로 고전 발레의 대표작 <호두까기 인형>은 ‘눈의 나라’ ‘과자 나라’ 장면을 생동감 넘치는 실감 영상으로 구현했다. 130분 공연을 6분 영상으로 재구성하기 위해 한국예술종합학교 김용걸 교수가 안무를 새롭게 짜고, K-Arts 발레단의 정예 단원들이 출연한다. 실감 영상 외에도 체험존도 마련되었다. ‘별별체험존’에서는 해오름극장의 숨겨진 공간을 가상현실에서 탐색해 보는 VR 백스테이지 투어와 관람객이 직접 선택하고 꾸민 무대를 배경으로 기념사진을 만들어 보는 AR 무대 체험을 할 수 있다. 박인건 극장장은 “실감 영상과 체험 콘텐츠를 통해 관객들이 공연을 보다 가깝게 경험할 기회를 얻길 바란다”라며 “앞으로도 신기술을 융합한 새로운 콘텐츠를 개발해 미래의 공연예술을 이끄는 국립극장이 될 것이다”라고 밝혔다. ‘별별실감극장’은 국립극장 공연예술박물관 운영시간(화~일요일 오전 10시~오후 6시, 수∙금요일은 오후 7시 30분까지 연장 운영)에 방문하면 누구나 무료로 관람 가능하며, 국립극장 공연예술박물관 홈페이지(www.ntok.go.kr/museum)에서 사전 예약도 가능하다. [권수진 기자]

[서울문화인] 리움미술관 옥상에 마치 통신탑을 연상하는 낯선 구조물이 눈에 띈다. 리움미술관의 새로운 전시 필립 파레노의 개인전 《보이스(VOICES)》를 관람하려는 관람객은 이미 그의 작품과 첫 대면을 한 것이다. 미술관 야외 데크에 설치된 14M 크기의 타워구조물은 색다른 인지력을 가진 인공두뇌로 새롭게 탄생한 목소리인 <∂A>(2024)와 상호작용하며 전시의 모든 요소를 조율하는 필립 파레노의 신작 <막(膜)>이다. <막>은 센서 기능을 갖고 있어서, 기온, 습도, 풍량, 소음, 대기오염, 미세한 진동까지 지상의 모든 환경 요소를 수집된 데이터는 미술관 로비의 대형 스크린을 통해 실시간으로 반영하며 끊임없이 변화하는 영상을 소개된다. 유입된 이 데이터는 사운드로 변환되기도 하고 새로운 목소리를 자극하기도 하며 전시를 활성화시킨다. 이 소리는 배우 배두나의 목소리 운율을 활용한 새로운 신호를 해석하여 ‘단어’와 ‘문구’로 표현하는 동안에 탑의 양태를 기반으로 감정을 전달한다. 전시장 외부에서 이미 경험한 이 작품은 필립 파레노가 이번 전시에서 무엇을 보여주려는지 그의 작품 세계를 관통하는 작품이라 할 수 있다. 필립 파레노(1964년생, 프랑스에서 거주 및 활동)는 시간과 기억, 인식과 경험, 관객과 예술의 관계에 주목하면서, 데이터 연동과 인공지능 등 최신 기술을 활용해 예술작품과 전시 경험을 재정의 하는 유기적인 방식을 탐구하는 작가로 여러 전문가들과의 협업으로 영상, 사진, 조각, 드로잉 등 다양한 매체와 전시 형식에 주목하고 있다. 그는 현실과 상상의 경계가 흐릿해지고 이 둘이 결합되는 영역을 탐구하다 보니 이러한 전시는 국내대중들에게는 익숙하게 다가오는 전시는 아니다. 필립 파레노의 90년대 초기작부터 이번 전시에서 처음 소개하는 대형 신작을 포함한 조각, 설치, 영상 등 총 40여 점의 작품을 선보이는 국내 최초 대규모 개인전 이번 전시에 대해 김성원 리움미술관 부관장은 “감상하는 전시가 아니라 공연과 같이 경험하는 전시이다. 시간에 따라 변화를 경험할 수 있다”고 말한다. 그렇다. 전시의 작품은 미술관 한 곳에 고정되어 있는 것을 바라보는 것이 아니라 시시각각 변화는 것을 확인할 수 있다. M2 B1 전시장에는 전시장 곳곳을 부유하는 물고기들(〈내 방은 또 다른 어항〉(2022))은 마치 전시장이 자신의 집인양 돌아다니고 있어 관람객이 오히려 그들의 영역(어항)에 들어온 것 같다. 또한 동심 가득했던 눈사람(〈리얼리티 파크의 눈사람〉(1995-2023))은 더위에 전시장 바닥에서 일그러지고 있다. M2 1층은 여러 협업자들과 제작한 1990년대 - 2000년대 초기작을 중심으로 펼쳐진다. 프랑스 그래픽 디자인 듀오 M/M(Paris), 네덜란드 패션사진 듀오 이네즈 앤 비누드, 동료 작가 피에르 위그 등과 제작했던 10여 점의 작품을 한 곳에서 만나볼 수 있다. 작가의 유년기를 배경으로 한 희망과 디스토피아에 대한 사진과 영상 〈엔딩 크레딧〉(1999)과 이름도 역할도 없는 일본 망가 캐릭터 ‘안리’에 목소리를 부여해준 영상 작품 〈세상 밖 어디든〉(2000)은 대상이 여러 형태의 목소리로 가시화 되어 존립의 (불)가능성과 예술의 저작권에 대한 통찰을 보여주며, 피에르 위그, M/M(Paris)와 다양한 매체의 협업 방식을 소개하는 조명 및 가구 설치 작품 〈루미나리에(피에르 위그, 필립 파레노, M/M)〉(2001)과 그래픽 포스터 〈안리: 유령이 아닌, 그저 껍데기(피에르 위그와 필립 파레노)〉(2000)를 만나볼 수 있다. 그라운드갤러리는 키네틱 공간으로 변신하였다. 여기서는 모든 것이 깜박이고 움직이며, 관람객은 ‘섬광’을 인식하며 ’찰나’를 경험케 한다. <차양> 연작(2014-2023)은 기능이 부재하는 극장 차양의 모습을 닮아 있다. 이 작품 또한 미술관 외부에서 수집된 데이터와 디지털 멀티플렉스 기술과 연동되어 사이키델릭한 풍경과 안무를 펼친다. 이와 함께 벽을 따라 〈깜빡이는 불빛 56개〉(2013)의 공연이 펼쳐지며 공간을 가로지르며 천천히 움직이는 〈움직이는 벽〉(2024)은 마치 건물의 벽면이 떨어져 나와 움직이는 듯하다. 블랙박스는 영화관으로 변신, 대중문화의 아이콘인 여배우 마릴린 먼로를 환생시킨 영상 〈마릴린〉(2012)은 기계 장치를 통해 시선과 음성, 필체를 구현하여 유령처럼 허구의 눈속임으로 관객을 이끌며, <최초의 차양>(2016-2024)은 영화 상영이 끝나면 공간을 환하게 밝히며 막간을 알리는 사이니지 조명 역할을 한다. 잊고 있었다면 전시 제목이 《보이스(VOICES)》라는 것이다. 필립 파레노는 “사물은 관람객과 대화하기 위해 존재하는 것이 아니라 사물과 사물이 소통하는 세계를 우리가 경험하는 것”이라 말한다. 그가 말하는 소리는 하나의 목소리가 아닌 ‘다수의 목소리’다. 전시장에는 작품마다 저마다 소리가 있다. 가까이서는 그 작품이 내는 소리를 또 어떤 곳에서는 여러 작품에서 울려 나오는 소리가 겹쳐서 들리기도 한다. 이처럼 ‘다수의 목소리’는 작가의 작업에서 지속적으로 등장하는 핵심 요소이자 작품과 전시의 서사를 만들어 내는 목소리(들)라 할 수 있다. 작가는 이 ‘다수의 목소리’를 하나의 공간으로 집결시키며 주체적 대상으로 재탄생시키고 있다. 한편, 전시기간 토크, 세미나와 함께 매주 토요일 오전에는 어린이 대상 <그림자 인형극 워크숍>이 열리며, 매주 토요일 오후와 일요일에는 누구나 참여 가능한 자율 프로그램이 진행된다. 프로그램 참여 신청은 리움미술관 홈페이지에서 가능하다. 전시는 7월 7일까지 진행되며, 관람료는 성인 기준 1만8000원이다. [허중학 기자]

[서울문화인] 별빛마저 삼켜버린 도시의 야경, 화려함 보다는 왠지 쓸쓸해 보인다. 마치 어둠이 내려앉은 도시의 밤을 움직이는 차창에서 보듯 도시가 움직이고 있다. ‘점’과 ‘선’만으로 도시의 야경을 표현하고 있는 윤협 작가의 개인전이 지난 24일부터 롯데뮤지엄에서 선보이고 있다. 윤협(b.1982)은 산업디자인 전공으로 대학을 졸업 후 서브컬처에 영향을 받은 다양한 작업을 시작했다. 스케이트보드를 기반으로 한 벽화, 라이브 페인팅, 그래픽 디자인, 음악 앨범 커버 작업을 통해 활동을 시작하였다. 그러다 2010년 새로운 도시에 대한 꿈을 가지고 뉴욕으로 이주한 윤협은 2014년 패션브랜드 랙앤본(rag & bone)의 공공미술 프로젝트에 참여하며 뉴욕 맨해튼 하우스턴 가 소호에 벽화를 선보인 것을 계기로 뉴욕 예술계와 대중으로부터 많은 관심을 받으며, 유니버설 뮤직 그룹(Universal Music Group), 바비브라운(Bobbie Brown), 유니클로(Uniqlo), 베어브릭(Be@rbrick), 허프(HUF), FTC, 나이키 SB(Nike SB) 등을 포함한 여러 브랜드와 협업을 진행하였다. 윤협의 작업은 나이키(Nike) 오레곤 본사와 크리스찬 디올(Christian Dior) 뉴욕, 티파니앤코(Tiffany & Co.) 오렌지카운티, 페이스북(Facebook) 뉴욕, 와이덴 케네디(Widen&Kennedy) 뉴욕 등에 설치되어 있으며, LA와 뉴욕, 밀라노, 빌바오, 런던, 도쿄, 홍콩, 상하이 등 전 세계 여러 도시에서 개최된 전시와 프로젝트에 참여하며 다방면으로 자신의 작업을 선보이고 있다. 오늘날 그를 상징하는 작업 방식은 2004년 라이브 페인팅을 하면서 그 공간과 순간의 감각의 이미지를 즉흥적으로 ‘점’과 ‘선’으로 표현하게 되었다. 그 이후 점과 선은 작가 특유의 작업 방식으로 자리 잡았다. 즉흥성은 작가가 어린 시절부터 드러냈다. 작가는 ‘어린시절 어머니의 피아노 학원에서 바이올린을 8년 정도 배웠다. 악보에 따라 연주하는 것보다 좋아하는 곡을 듣고 자유롭게 연주하는 것을 더 즐겼다. 아마 당시 선생님은 싫어했을 것’이라 말한다. 작가는 ‘힙합, 펑크 등 다양한 인디펜던트 음악을 선호하고, 때론 작업에 몰입하기 위해 음악을 듣는다. 이 가운데 재즈가 큰 흐름의 계획안에서 즉흥적으로 연주하는 방식이 유사하다’고 말한다. “도시는 다양한 에너지로 가득찬 거대한 유기체로, 이를 표현하는 것은 도시 속 개성과 문화를 보며 직접 느낀 에너지를 보여주는 것” 이번 전시 《녹턴시티》의 녹턴(nocturne)은 ‘밤’이라는 시간에 영감 받은 예술을 의미한다. 밤은 기억의 조각들을 상기시키며, 낮에는 보이지 않던 여러 개성이 더욱 선명하게 빛을 발하는 매력적인 시간이라 작가는 말한다. 모든 것이 멈춘듯한 고요한 ‘밤’, 《녹턴시티》는 도시와 작가 사이 무언의 대화 한 장면이자, 뉴욕에 사는 이방인으로서의 낯선 시선을 그대로 담아냈다. 밤의 옷을 입는 도시가 주는 적막함 그 고요하고 생경한 장면을 즉흥적이면서도 감각적인 시각언어로 조합, 선의 리듬과 색상의 화음은 관람자로 하여금 청각적 경험을 부여함과 동시에 21세기 시각 미술의 새로운 형태를 제시하고 있다. 이번 전시에서 눈길을 끄는 작품은 맨해튼의 야경을 그려낸 16미터의 대형 파노라마 작품 <Night in New York>(2023)이다. 작가가 자전거로 브루클린에서 베어마운틴까지 왕복200km를 달리며, 허드슨 강에서 바라본 야경이 마치 대기권 밖에서 지구를 보는 듯 했다고 회상하는 이 작품은 허드슨강 수면 위에 반사되는 도시 불빛을 보며, 모네(Claude Monet)의 <수련> 연작을 떠올리며 작품을 완성했다고 한다. <베어 마운틴에서 돌아오는 길 On the Way Back from Bear Mountain>(2023)은 베어 마운틴 정상에서부터 집으로 돌아오는 여정을 기록한 것으로, 작가가 브루클린 자신의 집에서부터 뉴욕 동부에 위치한 베어 마운틴까지 약 200km의 거리를 자전거로 왕복한 순간을 다섯 개의 캔버스에 시간의 흐름 순으로 표현한 작품으로 해가 질 무렵 주황빛으로 물든 가을 단풍 사이로 자전거에 몸을 싣고 하산하는 장면을 시작으로, 점점 어둠이 짙게 깔리는 화면에는 앞 자전거의 후미 등과 자동차 불빛에 의지하며 조지 워싱턴 대교 위에서 맨해튼으로 향해 가는 모습을 볼 수 있다. 다양한 색상의 자유로운 선들이 펼쳐지는 다음 장면에서는 도심 속 화려한 네온사인과 자동차 불빛, 사람들의 에너지가 가득한 맨해튼의 타임스퀘어 사이를 질주한다. 이어서 마지막 장면에는 복잡한 도시를 빠져나와 브루클린 집으로 돌아가는 길의 모습을 표현하며 긴 하루의 여정을 담고 있다. 이번 서울에서 전시를 위해 고향을 찾아 서울에 대한 감정을 그려낸 <Seoul City>(2023), 런던에서 개인전 개최 후 방문한 파리의 기억을 표현 <Walking by the River>(2023)까지 뉴욕, 서울, 런던 등 다양한 도시의 야경을 그려낸 작품뿐만 아니라 스케이트보드 문화와 DIY(Do It Yourself)문화를 기반으로 자신만의 개성을 자유롭게 표출한 작품과 회화에서 조각으로 탄생한 <저글러(Juggler)>와 새롭게 발전시킨 <리틀 타이탄(Little Titan)> 시리즈를 최초로 공개하고 있다. 이 작품은 작가 특유의 회화 작업 방식인 ‘점’과 ‘선’이 조각으로 발전한 작품이라 할 수 있다. 특히 스케이트보드는 윤협의 작품세계에 큰 비중을 차지한다. 작가는 9세부터 스케이트보드를 타기 시작했다. 1995년 중학생 윤협은 이태원 스케이트보드샵에서 강한 인상을 받았다. 그때부터 해외 스케이트보드 매거진의 로고나 페이지를 콜라주하고 드로잉하기 시작한다. 당시 스케이트보드 시설이 없어 벽돌이나 사물들을 모아 직접 스케이트보드 기물을 창작했다. 이러한 DIY 방식으로 버려진 물건을 소재로 작업하면서 음악 프로듀서 프라이머리의 박스 마스크도 디자인했다. 작가는 창작의 과정과 스케이트보딩은 정신적으로 유사하다고 말한다. 또한, 무언가 상상하고 그것을 실현하기 위해 끊임없이 노력하고 실패해도 다시 일어서는 칠전팔기와 같은 인내력이 그 공통점이라고 작가는 말한다. 이번 전시에는 작가의 오래된 스케이트보딩도 만나볼 수 있다. 또한, 윤협이 손으로 직접 빚어 도자기로 만든 자신만의 캐릭터 <저글러>와 함께 공상과학 속 로봇의 형태를 띈 새로운 캐릭터 <리틀 타이탄>은 그리스 아테네의 바위 지대에 있는 성과 요새, 전설 속 유적지에서 느껴지는 신비로운 감정이 녹아있는 작품으로 작가의 호기심과 상상력으로부터 탄생한 저글러와 타이탄 시리즈는 작가의 어린 시절의 소망과 소중한 추억이 투영되어 있는 작품이다. 무엇보다. 흔히 서브컬처를 기반으로 하는 작가가 국내 미술관에서 개인적으로 가지는 것은 흔치않은 일이다. 그런 면에서 롯데뮤지엄의 윤협 작가의 개인전은 신선함을 넘어 새로운 방향을 제시해주는 것이 아닌가 싶다. 또한, 롯데뮤지엄은 마지막 섹션에서 윤협의 작품을 미디어로 제작하여 선보이고 있다. 이번 전시와 함께 윤협 작가에게 직접 작품 이야기를 들을 수 있는 <아티스트 토크 : 윤협>이 마련되었다. 2024년 3월 1일(금) 14시 롯데월드타워 31층 오디토리움에서 윤협 작가와의 대담이 진행된다. 김찬용 전시해설가가 사회를 맡아 윤협 작가와 함께 작품과 예술에 대한 생생한 이야기를 전할 예정이며, 매일 3회(11시, 14시, 16시) 전문 도슨트가 전시장에서 무료로 전시를 해설해 준다. 전시는 5월 26일까지 진행되며, 관람료는 성인 18,000원, 청소년 15,000원, 어린이 12,000원이며, 만 4세 미만은 무료다. 매월 마지막 주 수요일 ‘문화가 있는 날’에는 관람권이 최대 40% 할인된 가격에 제공된다. 관람 시간은 매일 10:30-19:00이며 마지막 입장은 18:30까지다. 휴관일은 월 1회이며, 롯데뮤지엄 홈페이지에 별도 공지된다. [허중학 기자]

[서울문화인] 신라와 가야가 고대국가로 발전하면서 새로운 매장법과 체계적인 제사법이 등장, 확산하면서 새로운 토기가 나타난다. 새롭게 등장하는 토기는 항아리[壺], 그릇받침[器臺]을 주축으로 하고 있다. 성보문화재단 호림박물관(관장 오윤선)은 삼국시대 새롭게 등장한 토기들과 매장과 관련된 여러 유물을 통해서 죽은 이를 보내고 추모하던 의례의 중심에 섰던 항아리와 그릇받침들의 다양한 모습을 살펴보는 특별전 <공경과 장엄을 담은 토기>를 호림박물관 신사분관에서 선보이고 있다. 전시는 신사분관 3개의 전시실에서 소개되고 있다. 먼저 4층 제1전시실 ‘공경(恭敬)을 담은 토기_항아리’을 시작으로 제2전시실은 ‘장엄(莊嚴)을 더한 토기_원통모양 그릇받침’, 제3전시실은 ‘위엄(威嚴)을 받든 토기_화로모양, 바리모양 그릇받침’로 구성되었다. 더불어 제3전시실 마지막 공간에는 가상의 무덤을 조성하여 당시의 매장문화와 부장품으로 같이 매납된 토기의 모습을 통해 이해를 돕고 있다. 제1전시실 : 공경은 담은 토기_항아리 역사기록과 발굴성과를 보면 삼국시대 사람들은 죽은 사람을 위해 장례를 후하게 지냈다. 죽은 사람이 저승에서 생활할 물건이 필요하다고 생각하여 무덤에 껴묻거리[副葬品, 죽은 자를 매장할 때 함께 묻는 물건]로 토기와 철기, 금은옥(金銀玉)으로 만든 장신구 등을 풍부하게 묻었다. 이를 보면 무덤이 사후세계의 거주지로 생각되었음을 알 수 있다. 이렇게 무덤을 만들어 묻고 죽은 사람을 떠나보내는 일련의 과정에서 일정한 격식을 갖추어 상장의례(喪葬儀禮)를 행하였다. 신라와 가야 등이 고대국가로 발전하면서 덧널무덤[石槨墓·木槨墓, 지하에 구덩이를 파거나 지상에 덧널을 짜 놓고 그 위에 돌무지와 봉토를 덮어 봉분을 만든 무덤양식]과 같은 새로운 매장법과 체계적인 제사법이 등장하고 확산되면서 새로운 형태의 제사용 토기가 나타난다. 제사에 사용된 토기는 굽다리접시[高杯], 항아리[壺], 그릇받침[器臺] 등이 중심을 이루고 있다. 굽다리접시와 항아리는 그 안에 동물 뼈, 생선 뼈, 조개껍데기, 곡식, 과일 씨 등의 음식물의 흔적과 쇠방울, 작은 칼 등 금속제품이 담겨 있는 경우가 많아 죽은 사람을 위한 공헌물(供獻物)을 담는 그릇이나 제기(祭器)로 사용되었음을 알 수 있다. 바닥이 편평한 항아리를 주로 사용하였던 고구려와 달리 백제와 가야, 신라는 바닥이 둥근 항아리[圓底壺]를 많이 만들어 사용하였다. 5세기를 전후한 시기 이후에 가야의 항아리는 목이 길고 둥근 바닥을 가지고 있는 것이 많다. 바닥이 둥글기 때문에 그릇받침과 짝을 이루어 출토된다. 신라의 항아리는 굽다리가 붙은 것이 많다. 항아리에 장식과 상징을 부여하는 톱니무늬[鋸齒文], 고리무늬[圓文], 줄무늬[集線文]와 같은 다양한 무늬를 새기고, 토우(土偶)를 붙여 장식하기도 하였다. [신라와 가야의 원저호,대부장경호 등 토기 항아리 30여점, 신라와 가야의 금관, 금동관, 금제귀걸이 등 장신구 40여점] 제2전시실 장엄을 더한 토기_원통모양 그릇받침 원통모양 그릇받침은 바닥이 둥근 항아리를 받치는 용도로 만들어졌다. 주로 지역의 우두머리[首長] 무덤에서 출토되며 화려한 무늬와 장식으로 꾸민 것이 많다. 원통모양 그릇받침은 으뜸덧널[主槨, 하나의 무덤 안에 있는 여러 곽(槨) 중에서 주인공의 주검을 넣은 곽]과 딸린덧널[副槨, 으뜸 덧널에 딸려 있어 대개 껴묻을 거리를 넣어 두는 곳]이 같이 있으면 주인공이 묻힌 으뜸덧널에, 딸린덧널이 없으면 주인공의 머리맡에 놓였다. 대부분 1점이 출토된 경우가 많지만 황남대총 남분, 부산 복천동 고분군과 같은 대형의 무덤에서는 여러 점이 나온 예도 있다. 그리고 무덤 근처 제사와 관련된 유구(遺構)에서도 출토된다. 이것으로 볼 때 원통모양 그릇받침은 대형 무덤의 껴묻거리이었을 뿐만 아니라 무덤 주위에서 제사를 지낼 때 제기(祭器)로 사용된 것으로 보인다. 대형의 크기와 엄정하고 화려한 장식은 제례 의식에서 장엄함을 더하는 요소가 되었을 것이다. 이러한 원통모양 그릇받침은 지역과 시기에 따라 양식이 다르다. 가야 양식은 각종 문양과 세로띠, 투창으로 화려하게 장식하고, 그릇을 받치는 부분이 접시나 항아리모양이며, 굽다리가 바리[鉢] 또는 장고모양이다. 특히 대가야 양식의 원통형 그릇받침은 뱀 모양의 세로띠 장식을 붙인 것이 특징이다. 금관가야의 원통모양 그릇받침은 몸통의 중앙이 공처럼 불룩하며, 아라가야의 원통그릇받침은 다른 지역에 비해 돋을띠가 강하게 둘러지며 5세기말 이후 백제의 영향을 받아 장고모양을 하여 백제의 원통형 그릇받침과 비슷한 모양이 된다. 소가야의 원통모양 그릇받침은 신라의 영향을 강하게 받아 접시모양의 그릇받침부와 나팔처럼 벌어진 굽다리가 신라의 것과 비슷하다. 원통모양 그릇받침의 변화만을 보아도 백제와 신라가 이 지역에서 치열하게 경쟁하였던 상황을 추정할 수 있다. 신라 양식의 원통모양 그릇받침은 그릇받침부가 곧게 밖으로 벌어지고 굽다리는 직선적인 사다리꼴이며 가야 양식의 원통모양 그릇받침에 비해 장식이 간략한 것이 대부분이지만, 각종 토우와 무늬로 장식한 것들도 보인다. [신라와 가야의 원통모양 그릇받침 40여점] 제3전시실 위엄을 받든 토기_화로모양, 바리모양 그릇받침 화로모양 그릇받침과 바리모양 그릇받침은 원통모양 그릇받침과 같이 바닥이 둥근 항아리를 받치는 용도로 만들어진 것이나 그 자체로도 그릇의 기능을 할 수 있다. 놓이는 곳은 딸린덧널이나 묻힌 사람의 발치이며, 여러 점이 하나의 무덤에 부장된 것이 일반적이다. 또한 대형 무덤뿐만 아니라 일부 중·소형 무덤에서도 출토되어 원통모양 그릇받침보다는 그 중요도에 차이가 있었던 것으로 보인다. 화로모양 그릇받침과 바리모양 그릇받침은 무덤의 껴묻거리로 사용되었으며, 무덤에 제사를 지낼 때의 제기나 제사를 지낸 후 무덤 주위에 공물을 바치는 등의 공헌품으로도 사용되었다. 듬직한 크기와 화려한 무늬 등으로 의례의 위엄을 더 해주었던 것으로 보인다. 화로모양 그릇받침은 앞 시기인 원삼국시대의 와질(瓦質)토기에서 기원한 것으로 비교적 이른 시기인 3세기 후반부터 김해의 금관가야, 함안의 아라가야, 경주의 신라를 중심으로 만들어진다. 대가야 양식의 바리모양 그릇받침은 그릇받침부가 얕고 곡선적이며 굽다리는 팔자모양으로, 물결무늬와 솔잎무늬가 주로 새겨졌다면 신라 양식의 바리모양 그릇받침은 그릇받침부분이 깊고 직선적이다. 굽다리는 사다리꼴로 폭이 비교적 넓고 몸통과 굽다리에 물결무늬·문살무늬·줄무늬·톱니무늬·고리점무늬 등 기하학적 문양이 새겨지는 것이 특징이다. 가야와 신라 모두 크고 높은 무덤을 만들고 그 안에 풍부한 껴묻거리를 같이 묻었다. 무덤의 규모가 커지고, 무덤을 만드는데 많은 인원과 물품을 동원하는 것은 그러한 장례 행위를 통해 권력을 과시하고 사회적 통합과 지배를 이루고자 하였기 때문이다. 2층 전시실의 마지막 공간은 가상의 무덤을 조성하여 당시의 매장문화의 이해를 높이고 있다. [신라와 가야의 화로모양,바리모양 그릇받침 등 110여점] 전시는 5월 31일(금)까지 진행되며, 관람료는 성인기준 10,000(매월 마지막 주 목요일 무료)이다. [허중학 기자]

[서울문화인] 의학도에서 그래픽 광고 디자이너를 거쳐 자신만의 조형 언어를 발견하고 20세기 추상미술의 한 장르인 옵아트를 대표하는 화가로 손꼽히는 헝가리 태생의 프랑스 아티스트 빅토르 바자렐리(Victor Vasarely, 1906~1997)의 회고전이 한국 헝가리 수교 35주년을 기념해 1990년 국립현대미술관에서 개최된 이래 34년 만에 다시 찾아왔다. 2019년 프랑스 퐁피두 미술관에서 약 45만 명에 달하는 관람객을 모은 바자렐리 전시 이후 아시아에서 최초로 열리는 이번 회고전에는 헝가리 국립 부다페스트 뮤지엄과 바자렐리 뮤지엄이 소장한 200여 점에 달하는 걸작을 선보인다. 20세기 미술의 혁신가 바자렐리: 바우하우스에서 추상미술까지 옵티컬아트 창시자로 불리는 빅토르 바자렐리는 앞서 밝혔듯 원래 그의 전공은 의학이었으나 데생과 드로잉을 배우고 헝가리의 바우하우스로 불리는 ‘뮤힐리 아카데미’(Budapesti Műhely)에 입학하면서 아티스트의 길을 걷게 된다. 이곳에서 그는 말레비치, 몬드리안, 칸딘스키, 그로피우스 등 당대 가장 신선하고 파격적인 추상 예술가의 작품을 접한다. 1930년 파리로 이주한 그는 그래픽 디자이너와 상업 광고 디자이너로 성공하였다. 그러나 화가의 꿈을 포기하지 않고 기성 미술의 한계를 벗어나기 위한 다양한 시도, 추상미술의 시대를 거쳐 마침내 자신만의 조형언어를 발견하고, 엄격한 구성에 의한 기하학적인 추상을 추구옵아트의 대표적 작가로 명성을 얻게 되었다. 그의 작품은 단조로운 도형의 나열에 그치지 않고, 부분에서 느껴지는 미묘한 변화와 착란을 통해 화면에 생생한 움직임을 주어, 보는 이로 하여금 시각적 모호성과 분산을 느끼도록 만든다. 공공 건축과 도시 개발 등의 다양한 프로젝트를 통해 자기 작품의 무한한 복제와 적용을 시도한 그는 1959년 프랑스로 귀화하였지만 1970년 바자렐리 재단을 설립한 후, 1982년 자신의 조국인 헝가리에 작품을 기증한다. 4년 뒤인 1986년 전 세계에서 가장 큰 규모의 바자렐리 공공 콜렉션을 소장한 ‘바자렐리 뮤지엄’이 부다페스트에 문을 열게 되었다. “나는 순수한 형태와 색으로만 세계를 완전히 표현할 수 있다.” 미술계와 패션, 그래픽 디자인에 여전한 바자렐리의 영향력 전 세계적으로 빅토르 바자렐리처럼 일생 동안 지속적인 유행의 물결을 일으킨 예술가는 드물다. 바자렐리의 예술 세계는 정사각형, 공간, 움직임, 시간이라는 네 가지 기둥으로 구성되어 있다. 그의 작품은 이러한 코드를 바탕으로 태어났으며, 움직임과 평면에서 솟아오르는 단단한 덩어리의 느낌을 불러일으킨다. 작가의 구성 방식에서 주된 역할은 격자무늬 종이에 수작업으로 정밀하게 배치된 합리적이고 실용적인 색채-형태의 관계와 시각의 심리학(우리의 지각이 총체적으로 작동한다는 게슈탈트 이론을 자주 암시한다. 전체 이미지와 같은 시각적 구조를 새로운 연관의 실체로 보고 때로는 전체를 구성하는 개별 요소를 무시한다는 의미)을 작품의 예측 불가능한 영향 메커니즘에 종속시키는 실험에 뿌리를 두고 있다. 바자렐리는 자신의 작품이 ‘순수한 조형성’이 우세한 특징을 갖게 하기위해 기호, 무작위적인 붓질, 개인적인 제스처 등 연상을 불러일으킬 수 있는 모든 요소를 배제하는 것을 목표로 삼았다. 그 결과 순전히 ‘시각적 개념’이 드러나게 되었다. 전시는 그래픽 아티스트로 출발해 광고 디자이너와 추상미술 작가, 공공미술 프로젝트 개발자 등 다양한 영역에서 활동한 빅토르 바자렐리의 총체적 면모를 보여주는 전시로 그가 남긴 방대한 작품들은 13개에 달하는 섹션을 통해서 각 시대별로 작가가 몰두한 작품의 경향과 스타일을 모두 보여준다. 특히 이번 전시에서는 널리 알려진 바자렐리의 옵아트 작품뿐만 아니라 그래픽 아트, 추상 미술, 키네틱 아트를 걸쳐 그가 자신만의 조형 언어인 ‘플라스틱 유닛’를 창안하고 이를 조각과 다양한 장르에 걸친 작품으로 변형하기까지 전 과정을 만나볼 수 있다. 전시는 예술의전당 한가람미술관 1층에서 오는 4월 21일까지 진행된다. [권수진 기자]

[서울문화인] 1855년, 파리 만국박람회는 파리를 문화 예술의 도시 이미지로 크게 확산시켰다. 1851년 런던에서 세계 최초의 만국박람회가 개최되었지만 이후 파리에서는 1867년부터 1900년까지 매 11년마다, 즉 1867년, 1878년, 1889년, 1900년에 만국박람회가 개최되면서 산업뿐만 아니라 새롭게 들어서 건축물은 도시의 풍경을 바뀌게 하면서 많은 예술가들도 몰려들었다. 이렇게 수많은 예술가들이 그려낸 파리의 모습이 현재까지 파리를 문화예술의 도시의 이미지로 각인시켰다. 높이 솟은 건물, 흩날리는 눈송이, 그 아래 올망졸망 들떠 있는 사람들... 그들의 표정을 자세히 살펴볼 수 없지만 모두들 행복해 보인다. 파리지앵(Parisien) 화가, 미셸 들라크루아가 그려낸 파리의 풍경은 마치 어린 시절 접하던 아름다웠던 풍경으로 가득한 연말카드의 그림을 떠올리게 한다. “1930년대 후반은 모두에게 <아름다운 시절>이었습니다. 제2차 세계대전 이전의 시대였으니까요. 물론, 저에게도 역시 아름다운 시기였습니다. 저는 행복한 어린아이였으니까요. 제가 행복한 어린 시절을 살았다는 것은 제 인생에서 최고의 시작과도 같았습니다.” 미셸 들라크루아 제2차 세계대전 전 1930년대 후반을 배경으로 한 파리의 풍경과 생활상을 그리다. 미셸 들라크루아(b. 1933년 파리)는 열 살부터 그림을 그렸다. 마흔 살이 된 1970년대부터 어느 날 불현듯 파리의 옛 풍경을 그려내며 지금의 화풍을 완성했다. 그가 일곱 살이 되던 해 제2차 세계대전이 발발하면서 20세기 인류 최대의 상처를 남긴 전쟁을 겪었지만 오히려 그는 가족에게 전해들은 얘기와 또 자신이 겪은 전쟁 이전의 어린 시절의 추억을 섞어 자신만의 옛 파리의 ‘아름다운 시절’을 그려오고 있다. 미셸은 교육공무원이었던 아버지 덕분에 부족하지도 풍족하지도 않은 농민 부르주아적인 삶을 살 수 있었다. 어머니와 나비를 채집하거나 나무 아래서 노을을 바라보는 등 많은 추억들이 가득한 행복한 유년기를 보냈다. 학생 시절, 고등학교가 있던 파리의 거리를 수 킬로미터씩 걸어 다녔고, 이 당시 걸어 다니며 본 풍경은 그의 머릿속에 깊이 각인되었다. 그가 살았던 몽파르나스에서 학교가 있던 노트르담 성당 주변까지의 거리를 매일 걸으며 보고 축적된 풍경들이 30년 후, 그가 40대가 되어서야 캔버스 속에 살아날 수 있었다. 미셸의 아내 바니 들라크루아(Vany Delacroix)는 “미셸의 그림의 모든 것은 그의 정신적인 유산에 따른 것이다” 이처럼 그가 그려낸 풍경은 1930년대에 대한 사진이나 기록이 아니라 자신의 유년 시절에 대한 파리에 대한 인상에 가까우며, 그런 인상들의 모음에 가깝다 할 수 있다. 오리지널 페인팅 200점 미셸 들라크루아의 작품을 통해 1930년대 파리로 여행 예술의전당 한가람디자인미술관에서 진행되고 있는 〈미셸 들라크루아, 파리의 벨 에포크〉 특별전에는 미셸 들라크루아의 뇌리에 각인되어 있는 파리를 기억하듯 반대편의 우리들에게도 그 이미지가 각인되어 있는 듯 많은 관람객들이 아름다운 파리의 풍경에 빠진 듯하다. 전시는 그가 사랑한 도시 ‘파리’와 그의 뇌리에 각인되어 있는 파리의 ‘벨 에포크’(아름다운 시절)을 그려낸 오리지널 페인팅(200점 이상)은 그가 75세부터 90세(2008~2023년)까지 그린 작품들을 통해 1930년대 파리로 안내한다. 특히 작가는 대작보다는 작은 작품들 속에 이야기를 가득 담아내었다. 하지만 작은 그림 속에서도 소소하고 재치 있는 삶의 순간들을 발견하는 재미를 느낄 수 있다. 또한, 그의 대부분의 작품에서 만날 수 있는 흰색얼룩무늬의 강아지는 그가 어린 시절에 기르던 강아지 ‘퀸(Queen)’이다. 작품마다 등장하는 퀸의 존재 그 곁에 있는 대상, 때로는 소년 시절 작가의 모습 혹은 어른의 모습을 발견하는 묘미가 있다. 들라크루아는 작품을 완성했다 생각하면, 퀸을 그리고 서명을 한 후 작품을 마무리를 한다고 한다. 전시는 마차를 타고 1930년대로의 시간여행 하는 콘셉트로, 각 섹션을 정거장으로 구성되었다. 파리의 명소를 지나 파리지앵들의 소박한 삶의 모습, 파리를 수놓은 낭만적인 연인의 모습, 겨울을 맞이한 파리에서 벌어지는 각각의 이야기, 크리스마스를 기다리는 사람들, 고향으로 가는 길에 만난 풍경, 여가를 즐기는 사람들의 순간들을 각각의 정거장으로 표현하였다. “저는 긴 삶의 끝에 다다르고 있습니다. 저의 소박한 그림들은 이야기들을 담고 있습니다. 저도 많은 사람들처럼 큰 만족, 몇몇 기쁨 그리고 많은 잊을 수 없는 슬픔, 때론 짊어지기엔 무거운 슬픔을 겪었습니다. 그러나 그림만큼은 언제나 저를 놓지 않았어요, 저에겐 최고의 친구였습니다. 신에게 경의를 표하며” M.D 마지막 에필로그로 90세를 맞이한 작가가 그린 최신작들을 만나며, 죽는 날까지 그림을 그릴 것이라는 작가의 마지막 다짐을 만나게 된다. 아울러 전시장 오른쪽 공간에서는 작가의 판화를 무료로 관람할 수 있다. 한국경제신문과 2448 Artspace가 주최하고 주한 프랑스대사관이 후원하는 이번 전시는 3월 31일까지 진행된다. [허중학 기자]

[서울문화인] <찰리와 롤라> 시리즈, <학교 가기 싫어>, <착해야 하나요> 등 국내에서도 40여권 이상의 작품이 번역 및 출간되어 큰 인기를 누리고 있는 영국을 대표하는 그림책 작가이자 일러스트레이터인 로렌 차일드(Lauren Child)의 작품을 만날 수 있는 전시 《로렌 차일드 : 요정처럼 생각하기》가 예술의전당 한가람미술관 제 7 전시실에서 선보이고 있다. 현란한 색감, 다양한 질감과 패턴들을 이용해 신선한 그림을 선보이는 로렌 차일드는 개성 있는 캐릭터와 콜라주 작업 등 다양한 방식의 표현으로 국내외 연구자들에게 많은 관심을 받고 있는 작가이다. 특히 <찰리와 롤라> 시리즈의 <난 토마토 절대 안먹어>로 케이트 그리너웨이 상을, <요런 고얀 놈의 생쥐>로 스마티즈북 금상을 수상하였으며, <찰리와 롤라>는 영국 BBC 등의 매체에 애니메이션으로 방영되기도 했다. 로렌 차일드의 작품은 아이의 시각에 상상력과 유머러스를 더하고, 모험적이고 대담한 그림체와 콜라주 기법을 통해 장난기 넘치면서도 독창적인 작업 방식을 선보인다. 로렌 차일드는 캐릭터성이 강한 그림체의 인물들, 그리고 상상과 현실을 넘나드는 배경으로 이야기를 조화롭게 만든다. 이러한 로렌 차일드의 작품들은 독자들의 고정관념을 허물고 새로운 방식으로 독자의 상상력을 이끌어내는 오늘날 그림책의 특징을 잘 반영하고 있다. 로렌 차일드 : 요정처럼 생각하기 Lauren Child : Think Like An Elf 로렌 차일드의 작품 중 가장 많이 알려진 <찰리와 롤라> 시리즈를 포함한 초기작품인 <클라리스 빈>과 <요런 고얀 놈의 생쥐>, <꼬마 천재 허버트>, <착해야 하나요>, 그리고 <매리 포핀스>, <삐삐 롱스타킹>, <시크릿 가든>, <공주님과 완두콩>의 삽화 등 작가의 다채로운 작품관을 엿볼 수 있는 원화들과 소장품들을 공개. 전시는 로렌 차일드와 상상친구들, ‘고얀이’와 강아지, 책 속의 책, 명작의 재탄생, 요정처럼 생각하기 5개의 섹션으로 나누어 로렌 차일드의 원화 작품 92점과 동화 속 세계를 재현한 전시 공간을 감상할 수 있게 구성되었다. 대표작인 <찰리와 롤라> 외에 <요런 고얀 놈의 생쥐>, <학교 가기 싫어>, <착해야 하나요> 등 다양한 개성을 가진 캐릭터와 로렌 차일드의 작업 방식을 여러 작품의 테마에 맞춰 다채롭게 구성되어 누구에게나 있었던 어린 시절의 감정과 경험을 다시 떠올리게 하여 아이 뿐만 아니라 어른도 함께 공감하며 즐길 수 있는 경험을 제공한다. 이 외에도 <메리 포핀스>, <공주님과 완두콩>, <내 이름은 삐삐 롱스타킹>, <비밀의 정원> 등 널리 알려진 고전 명작이 로렌 차일드의 손길을 거쳐 새로운 모습으로 선보이는 작품도 만나볼 수 있으며, 마지막 섹션에는 로렌 차일드의 책 <요정처럼 생각하기>의 원화와 함께, 책 속의 장면을 확대 및 재현하여 마치 그림책의 인물들과 한 공간에 있는 듯한 공간을 연출하여 제목의 의미에 대해 생각할 수 있도록 구성되었다. 전시는 3월 3일까지 진행된다. (성인 : 18000원, 청소년 및 어린이 : 15000원, 36개월 미만 무료) [권수진 기자]

“내 작품들의 의미는 작품 안에 비밀처럼 숨겨져 있기보다는 관객들이 성찰과 인식이 과정을 거치는 동안 상당히 구체적으로 결정되고 구성된다. 나는 사람들이 완전히 다른 방향으로 생각하는 게 좋다. 사람들이 보는 것이 저마다 달라 모순이 생길수록 더 좋다.” [서울문화인] 한 가지 신조 또는 스타일만을 고집하지 않고 다양하고 폭넓은 시각을 지향하면서도 독특하고 독자적인 자신들만의 작업세계를 구축하며, 회화의 전통성을 이어가고 있는 ‘신(新)라이프치히 화파’ 작가 크리스토프 루크헤베를레(Christoph Ruckhäberle b.1972-)가 서울숲 갤러리아포레 더서울라이티움 제 1 전시관에서 국내 처음 개인전을 진행하고 있다. 크리스토프는 네오 라우흐, 로사 로이 등 라이프치히 출신의 화가들로 이루어져 회화의 역사를 이어가고 있는 신라이프치히 화파의 선두주자로, 그는 그림을 구상하는 요소 점, 선, 면을 다채로운 색(때로는 흑백으로 표현하기도 함)과 이를 다양한 매체를 사용한 회화를 통해 보여줄 뿐만 아니라 대형조각, 드로잉, 그리고 실크스크린, 목판화 등 인쇄의 전통적인 방식에도 큰 흥미를 가지고 이를 작품에 활용한 실험적인 예술을 해오고 있다. 이처럼 크리스토프의 예술적 작업은 광범위한 형식으로 작업을 해오고 있는 만큼 이번 전시의 명칭 ‘그림 깨우기’는 작가로서 작업 과정에서 행해온 예술적 실행, 그리고 끊임없는 실험과 깊게 관련되어 있다. 캔버스를 넘어선 공간으로 확장하여 기존의 형식적인 미술 표현방식에 대한 고정관념을 깨고 작업의 스펙트럼을 만나볼 수 있는 전시로 2007년에서 최근의 작품을 비롯하여 이번 전시를 위해 특별히 제작된 작품까지 다양한 매체를 이용한 160여 점을 소개하고 있다. "나의 작품은 모험에 대한 이야기가 아닌, 이야기에 대한 모험이다." - 크리스토프 루크헤베를레 그만큼 이번 전시는 각 섹션마다 작가의 다양한 스펙트럼을 만나볼 수 있다. 첫 번째 관(그들의 춤추지 않는다, 발끝으로 노래한다.)에서는 즐겁게 춤추는 인물들이 월페이퍼의 형태로 캔버스와 종이의 네모난 틀을 벗어나 경계의 밖으로, 벽으로, 바닥으로 점점 영역을 넓히고, 하나의 문을 지날 때마다 바뀌고 중첩되는 패턴의 반복은 관람객들에 시각적 환희를 선사한다. 그림 속 인물들은 때로는 미완성된 퍼즐처럼, 때로는 끝이 없는 뫼비우스의 띠처럼 캔버스를 가득 메운 채 춤을 추고 있다. 두 번째 관(의미 있는 충돌 = 모양 x 모양 x 모양)에서는 크리스토프의 그림으로부터 깨어나 이동된 기하학적 모양들이 서로 더해지고 곱해지며 확장되었다. 우연의 반복처럼 보이지만, 작가의 의도에 의해 정교하게 짜여졌다. 단순화된 이미지는 차원과 경계를 넘나들며 미지의 규칙으로 점점 그림의 세계를 넓혀간다. 마치 마티스의 작품을 연상하는 이 공간에서는 아시아 최초로 공개되는 대형 인물 조각 및 다채로운 형태와 색감의 패턴을 경험할 수 있다. 세 번째 관(더 낮게, 더 가까이, 그리고 더 단순하게)에서는 작업의 초창기부터 영향을 받은 누보로망(1960년대 프랑스에 등장한 소설 형식으로 특정한 줄거리와 묘사를 중요하게 여겼던 전통적인 서사의 형식을 벗어나, 작가가 자신의 머리 속에 떠오르는 순간적인 생각이나 기억을 새로운 형식을 통해 재현한 ‘신소설’) 작업 방식의 작품들로 의도된 몸짓과 표정들, 겹겹이 쌓인 사물들의 층층 사이에 수수께끼와 같이 숨어있는 팔과 다리들 마치 연극의 한 장면과 같은 신작들을 선보이고 있다. 네 번째 관(사건의 재구성 : 마법과도 같은)에서는 어떠한 대상을 디컨스트럭트, 즉 해체하고 재조합하여 보여주는 작가의 특징을 만나볼 수 있는 공간으로 사물을 다각적인 시선으로 바라보았던 입체파를 연상시키는 작가의 추상 시리즈는 네모난 틀을 가로지르는 직선들과 그림으로부터 추출한 듯한 조각 시리즈로 단순하고도 복잡한 시각적 사건의 재구성을 보여준다. 다섯 번째 관(공상의 부스러기들)에서는 흑백의 선명한 대비와 함께 콜라주 기법으로 편집된 작품들로 이루어진 공간으로 크리스토프 작가가 실크스크린과 목판화 등 인쇄의 여러 방식에 큰 흥미를 느끼고 이를 적극적으로 작품에 활용한 예술적 실험을 계속해왔음을 확인할 수 있다. 마지막 관(메이크-업 : 달라짐의 미학)은 전시장의 천장에 설치된 수많은 얼굴들은 생기발랄한 표정부터 음흉해 보이는 미소까지, 상황에 따라 수시로 다양한 가면을 써야 하는 우리의 얼굴과도 같은 표정을 하고 있다. 작가의 초기작인 곡예사와 우스꽝스런 포즈로 일그러진 표정을 한 인물은 강렬한 색의 사용과 캔버스를 가득 채운 구도로 전시장에 서로 마주하고 있다. 새롭게 선보이는 신작에서는 L자로 꺾인 팔과 다리, 얼굴, 모자와 신발이 각각 따로 캔버스 안을 춤추며 떠다닌다. 한편, 마지막 관에서는 매주 금요일, 토요일 저녁에만 진행되는 특별한 프로그램, <나이트 피크닉>(20:00~22:00)이 개최될 예정이다. 1일 100명 참여 신청자를 대상으로 진행되는 <나이트 피크닉>에서는 무선 헤드폰을 착용하고 작품 감상의 경험을 극대화하기 위해 선정된 음악 플레이리스트에 맞추어 자유롭게 춤추는 색다른 전시 관람의 경험이 제공된다. 전시느 2023년 3월 3일(일)까지 진행된다. [허중학 기자]

“I think the best we can hope for as designers, is to be involved in work, that either delights people and that helps people. We certainly don’t always achieve that, but it’s a good goal to keep in mind nevertheless. 나는 디자이너로서 우리가 바랄 수 있는 최고의 경지는 사람들을 즐겁게 하고 또 도울 수 있는 작품을 만드는 것이라고 생각한다. 비록 매번 그 목표에 도달 할 수 없을지라도 마음에 새겨둘 만한 목표이다.” [서울문화인] 2004년에 이어 2012년 자신의 개인전을 위한 한국을 찾은 스테판 사그마이스터(Stefan Sagmeister, 1962)가 전시장 입구에 비치된 거울에 남긴 메시지다. 그의 디자인 철학이 가감 없이 담겨있는 문장이라 할 수 있다. 그래픽 디자이너 전시를 접할 기회가 많지 않았던 국내 관객들에게 ‘스테판 사그마이스터’라는 이름은 생소할지 모르지만 그는 디자인계에서는 엄청난 유명세를 떨치고 있다. 특히 국내외에서 디자인을 공부하는 사람들이라면 그의 작품을 모르는 사람이 없을 정도로 많은 영향력을 미치고 있는 작가 가운데 한명이다. 그런 그가 지난 2012년에 이어 다시 한 번 한국 관객들을 찾아왔다. 11년 만에 찾은 사그마이스터가 동대문디자인플라자(DDP) 잔디사랑방에서 <Now is Better : 지금이 더 낫다>전으로 17일부터 선보인다. 스테판 사그마이스터는 상업적으로 성공한 디자이너이지만 동시에 본인 스스로를 디자인 프로젝트의 대상으로 삼아 ‘행복’(‘Happy Show’ 2012), ‘아름다움’(‘Beauty Show’, 2018) 등의 주제를 탐구하는 작가이다. 이번 전시는 과거와 현재의 데이터를 비교해 ‘지금이 더 나은 세상이다’라는 긍정의 메시지를 담아낸 100여 점의 작품을 선보이는 자리로 어쩌면 당시는 디자인의 색체가 강했다면 이번에 선보이는 신작들은 디자인과 현대미술과 경계를 허문 작품이라 할 수 있다. 그만큼 지난번 전시와 달리 주제도 명확하다 이번에 소개되는 작품은 그가 지난 50년에서 200년 사이의 삶의 질, 기대수명, 죽음, 빈곤, 범죄율, 온실가스 배출 등의 글로벌 이슈와 연관된 유의미한 데이터와 근거자료를 조사, 이를 바탕으로 디자이너의 시각을 표현한 혼합매체 작품 시리즈(Now is Better)를 제작하여 선보이는 자리이다. 예를 들어 Beautiful Numbers 시리즈 가운데는 1915년에는 세계적으로 번개에 맞아 사망한 사람이 50명이었다면, 100년 후인 2015년에는 날씨를 예측하는 기술, 전기 시스템, 그리고 안전 장비의 발전 덕분에 단 1명의 사람만이 사망했다. ‘Two Markets’은 2가지의 도형을 통해 연간 501억 달러 규모의 미술 시장이 얼핏 거대해 보여도 503억 달러에 달하는 전 세계 기저귀 판매량보다 적다는 사실을 말해준다. 작가는 이처럼 흥미로운 데이터를 활용해 작품으로 제작했다. 그만큼 지난번 전시와 달리 주제도 명확하다 이번에 소개되는 작품은 그가 지난 50년에서 200년 사이의 삶의 질, 기대수명, 죽음, 빈곤, 범죄율, 온실가스 배출 등의 글로벌 이슈와 연관된 유의미한 데이터와 근거자료를 조사, 이를 바탕으로 디자이너의 시각을 표현한 혼합매체 작품 시리즈(Beautiful Numbers)를 제작하여 선보이는 자리이다. 예를 들어 Beautiful Numbers 시리즈 가운데는 1915년에는 세계적으로 번개에 맞아 사망한 사람이 50명이었다면, 100년 후인 2015년에는 날씨를 예측하는 기술, 전기 시스템, 그리고 안전 장비의 발전 덕분에 단 1명의 사람만이 사망했다. ‘Two Markets’은 2가지의 도형을 통해 연간 501억 달러 규모의 미술 시장이 얼핏 거대해 보여도 503억 달러에 달하는 전 세계 기저귀 판매량보다 적다는 사실을 말해준다. 작가는 이처럼 흥미로운 데이터를 활용해 작품으로 제작했다. 또한, 특별히 이번 전시를 위해 한국의 데이터를 적용해 제작된 서울에디션 작품과 DDP 관람객 수치 데이터로 만든 DDP에디션을 제작하여 첫 선을 보인다. 이 가운데 ‘Robbig and Steeling’는 한국이 범죄율이 낮다는 것에서 착안하여 제작된 작품으로 다양한 크기의 칼이 삼장에 꽂혀있다. 작가는 이 가운데 “작은 못이 다른 나라와 비교되는 한국의 범죄율을 표현”한 작품이라 밝혔다. 인쇄로 된 이작품은 전시 기간 동안 관람객이 직접 한 장씩 뜯어가 작가의 작품을 소장할 수 있다. DDP 외부 잔디언덕을 따라 유려한 곡선을 그리며 펼쳐진 ‘We’d rather be alive than dead: 삶은 그 어떤 경우에도 죽음보다 아름답다’는 전 세계에서 진행하는 작가의 ’Now is Better‘ 시리즈 중 유일하게 공공예술 프로젝트의 형태로 DDP에 설치한 작품으로 스테판 사그마이스터는 이 변화상을 시각적으로 표현하기 위해 120개의 에어 댄서라는 낯설지 않은 매체를 활용했다. 동대문디자인플라자(DDP) 잔디언덕을 따라 유려한 곡선을 그리며 펼쳐진 오방색 에어 댄서들의 향연은 한국의 기대수명의 증가를 상징적으로 보여준다. 전시된 에어 댄서들 하나하나는 1904년부터 2023년까지 그해의 기대수명을 은유적으로 표현하고 있다. 가장 낮은 1미터 높이 에어 댄서는 1908년 약 24.1세였던 가장 낮았던 기대수명을, 8미터에 달하는 가장 높은 에어 댄서는 2023년 현재 83.7세에 이르는 가장 높은 기대수명을 상징적으로 보여주고 있다. 이 작품은 장기적 관점에서 인류가 발전해왔다는 스테판이 전달하고자 하는 주요 메시지와 함께 한국의 기대수명에 대한 데이터를 반영하여 디자인되었다. (이 작품은 12월31일까지 진행) 이 외에도 의류, 컵, 손목시계 등 3D 제품으로도 제작되어 다채로운 볼거리를 제공하며, 전시 기간 동안에 작가의 디자인 철학을 살펴볼 수 있는 다양한 부대 프로그램도 진행된다. 먼저 행복에 대한 작가의 다양한 실험들을 엿볼 수 있는 <Happy Film>영상이 DDP 둘레길라운지에서 12시부터 2시간마다 상영된다. 이 작품은 사전예약을 통해 볼 수 있다. 11월 17일, DDP 디자인홀에서는 ‘Beautiful Numbers(아름다운 숫자들)’라는 주제로 강연이 진행된다. 이 강연에서 그의 디자인 인사이트를 살펴볼 수 있다. 한편, 개막에 앞서 서울디자인재단의 이경돈 대표이사는 “데이터를 통해 얻은 작가의 희망적인 메시지가 세상에 대한 새로운 관점을 제시할 것.” 이라며 “‘관람객들이 작가의 긍정적인 메시지처럼 밝은 미래를 그려가길 희망한다.”고 전했다. 이번 전시는 내년 3월 3일까지 무료로 관람할 수 있다. [허중학 기자]

[서울문화인] 모든 것들이 빠른 속도로 과잉 생산되고 변화하는 격변의 시대, 이러한 사회를 살아가는 현대인들에게 필요한 관점과 시각은 무엇일까? 대림미술관에서 새롭게 선보이는 《MSCHF: NOTHING IS SACRED》는 그 물음표의 해답을 찾아보는 전시라 할 수 있다. 이번 전시는 대림미술관과 미스치프가 함께 기획한 전 세계 최초의 미술관 전시로 미스치프(MSCHF)는 2019년 가브리엘 웨일리(Gabriel Whaley), 케빈 위즈너(Kevin Wiesner), 루카스 벤텔(Lukas Bentel), 스테픈 테트롤트(Stephen Tetreault)가 설립한 아티스트 콜렉티브로 미국 뉴욕의 브루 클린을 기반으로 활동하고 있다. 미스치프는 ‘장난짓(mischief)’이라는 그들의 이름처럼 유쾌하지만, 도발적인 시비를 거는 작품들을 선보이는데, 익숙한 일상과 제품들에 상식을 뛰어넘는 아이디어를 접목해 예상치 못한 방법으로 사회적 현상의 일부분을 꼬집어내고 있다. 이들은 스스로를 ‘무엇’이다 정의 내리지 않고, 다양한 범주의 한정판 작품을 홈페이지에 2주마다 ‘드롭(Drop)’하는 방식으로 도발적이면서도 위트 있는 작품을 선보이며, 작품마다 화제와 논란을 일으키며 전 세계적으로 주목받고 있다. 또한, 한국 아티스트 방탄소년단(BTS)의 입대를 소재로 게임 프로그램인 ‘BTS IN BATTLE’을 출시한 바 있고 ‘블러(Blur) 시리즈’에서도 한국의 화폐 5만 원권 단위의 에디션을 출시하는 등 한국과 한국 문화에 높은 관심을 보여 온 바 있다. 《MSCHF: NOTHING IS SACRED》전은 미스치프의 장난기 가득한 풍자적 시선을 마주할 수 있는 전시이자 관객의 참여를 통해 비로소 완성되는 전시로 이를 통해 작가의 예술적 비전을 실현시키는 전시라 할 수 있다. 전시에는 인터랙티브 게임, 오브제, 회화, 퍼포먼스 등 다양한 분야의 작품 100여 점을 만나볼 수 있다. 아카이브 매거진과 멀티플레이어의 게임 형태로 핵심 가치를 전하다. 전시는 미스치프가 선보인 작품들의 숨겨진 의미와 성격에 따라 5가지 섹션으로 나누어 선보인다. 첫 번째 <ARCHIVE> 섹션에서는 미스치프가 한정판으로 발표한 작품과 새로운 프로젝트에 대한 제안, 작품을 통해 소구하고 싶은 메시지 등 추구하는 핵심 가치를 담은 아카이브용 자료 형태의 8권의 매거진을 디지털 버전으로 공개하고 있다. 이 매거진은 2020년 처음 발표한 이후 최근 2023년 9월 발표된 7권의 매거진과 특별판(MSCHF MAG 360)을 통해 소셜미디어, 매스미디어 등 주류 문화에 대항하는 미스치프의 시각을 엿볼 수 있다. 두 번째 <MULTIPLAYER> 섹션에서는 블랙 유머를 가미한 게임의 형태로 선보이는 작품들로 일반적으로 게임의 소재로 다루지 않는 사회, 경제, 정치, 투자 등과 같은 이슈들에 대해 미스치프가 고안해 낸 참여와 경쟁을 유발하는 게임들을 소개하고 있다. 한시도 멈추지 않고 화면에 손가락을 올려두고 간단한 지시에 따라 손가락만 움직이는 게임을 한다면 얼마나 오래 할 수 있을까? 정상적인 삶을 포기하면서까지 휴대폰을 중독처럼 사용하는 현대인들을 실험하기 위해 진행된 ‘핑거 온 더 앱(Finger on the App)’ 프로젝트는 70시간의 게임 끝에 참여자의 건강을 위해 3명의 우승자가 선정되었으며 상금 25,000달러 (한화 약 3천만 원)을 부여했다. 미스치프는 계좌 하나에 연계된 체크카드를 5천 장 만들고, 카드를 가진 사람들이 통장 잔고를 두고 벌이는 게임 ‘카드 V 카드(Card V Card)’를 진행했다. 일주일에 한 번씩 채워지는 잔고가 언제, 얼마나 들어오는지 모른 채 게임이 진행되었다. 이 프로젝트는 공동으로 소유한 한정된 재산을 결과에 대한 계획 없이 지출할 때 발생할 수 있는 비극을 경험할 수 있는 사회적 실험이라 밝혔다. 이처럼 관객들은 미스치프가 고안한 게임의 플레이어가 되어 참여하고, 게임의 주제나 진행 방식을 살펴보며 교묘한 전략과 욕망, 투기, 보상, 강박적 집요함 등 미스치프가 다루고자 한 사회적 문제들을 마주하게 될 것이다. 모두를 위한 하나, 하나를 위한 모두? 모두를 위한 사기, 하나를 위한 사기! 세 번째 <FRAUD FOR ALL, FRAUD FOR ONE> 섹션에서는 현대 사회의 비합리적인 구조를 비판적으로 바라보는 미스치프의 발상을 보여주는 작품들로 전개된다. ‘모두를 위한 사기 또는 하나를 위한 사기’라는 뜻의 섹션 명처럼 개인이 집단으로 모여 만들어 낸 결과물이 때로는 수단을 정당화할 수 있을 만큼 강력한 영향력을 가지기도 하고, 부당한 제도에 맞서려는 시도가 개인의 이익이 되기도 한다. 또한, 이 같은 결과는 정당화될 수 있는지 질문을 던진다. 단돈 19달러에 자동차를 가질 수 있다면 어떨까, ‘키 포 올 (Key 4 All)’프로젝트는 자동차 1대에 5,000개의 열쇠를 개당 19달러에 판매했다. 특정 전화번호를 통해 차량의 위치 힌트를 얻어 발견하면 열쇠를 가진 누구나 차의 주인이 될 수 있다. 차는 파손, 도난, 회수, 수리를 반복하며 미국 전역을 돌아다녔으나 뺏고 빼앗기며 누군가 완전히 소유할 수 없었다. 미스치프는 이에 대해 공동소유권과 공유경제의 허상에 대한 실험이라고 밝히기도 했다. 또한, 미국 의료 부채 시스템에 대해 생각해 보게 하는 프로젝트로 실제 의료 부채로 어려움을 겪는 이들의 의료비 청구서를 묘사한 세 장의 대형 유화를 판매하여 약 1억 원의 수익금으로 청구서 주인의 부채를 갚아준 ‘의료비 청구서 회화(Medical Bill Art)’ 프로젝트. 소통이 쉽지 않은 정치인, 공무원에게 의견이 효율적으로 전달될 수 있도록 어린이의 글씨체로 편지를 써주는 로봇을 만들어 낸 ‘어린이 십자군(Children’s Crusade) ’등의 프로젝트를 전개하며 놀이이자 짓궂은 장난이 공익을 가져다준다는 명분으로 정당화될 수 있는지 생각해 보게 한다. 돈으로 살 수 없는 것들이 있다. 그 외 다른 모든 것은 살 수 있다. 네 번째 섹션은 1997년 마스터 카드사의 브랜드 캠페인 문구인 ‘돈으로 살 수 없는 것들이 있습니다. 그 외 다른 모든 것들은 마스터 카드로.’에서 차용한 타이틀 <FOR EVERYTHING ELSE, THERE’S MASTERCARD>로 시작된다. 명품브랜드, 식품, 의약품, 도서 등 장르를 넘나들며 리미티드 에디션으로 선보인 작품들을 통해 상업성과 희소성의 이중적 특성을 들여다본다. 웹사이트에서 돈뭉치를 판매한다면 어떻게 될까? 미스치프는 극도로 낮은 해상도로 블러 처리된 돈뭉치 모양의 피규어를 20달러, 한화 약 3만 원에 판매했고 이는 단 몇 분 안에 매진되었다. 다양한 국가의 에디션으로 선보인 ‘블러(Blur)시리즈’는 충동구매의 극단적인 끝을 실험한 작품이라고 밝혔다. 또한 미스치프는 소금 한 톨보다 작아 현미경으로 들여다보아야 하는 루이비통 가방을 경매로 선보였고, 원래 가격의 4배가 넘는 63,000달러, 한화 약 8,400만 원에 판매되어 화제를 일으켰다. 이 외에도 고급스러운 명품 자체가 원자재가 될 수 있다고 제안하며 명품 브랜드 에르메스 버킨백의 가죽을 해체하고 가공하여 만든 대중적인 아이템 버켄스탁 샌들 ‘버킨스탁(Birkinstock)’을 선보여 최고가 9천만 원대로 판매한 바 있으며, 현실의 제약에서 우리를 해방시킨다고 밝힌 만화적인 부츠 ‘빅 레드 부츠(Big Red Boot)’ 등을 선보인다. 미스치프가 리미티드 에디션으로 발표해 매진되고 재판매(리셀) 열풍을 일으킨 화제와 논란의 작품들을 통해 현대인의 물질적 소유와 소비 심리에 대해 한 번 더 되돌아보게 한다. 신성한 것은 아무것도 없습니다. 다섯 번째, <NOTHING IS SACRED> 섹션에서는 ‘우리에게 논란은 오히려 각 작품에 담긴 메시지를 단단하게 만들고 더 많은 관심을 받게 하는 수단일 뿐’이라고 밝힌 미스치프의 메시지를 담은 작품들을 선보인다. 무분별한 브랜드의 컬래버레이션에 대해 그렇다면 미스치프는 예수님과 컬래버레이션을 한다며 운동화의 에어솔 부분에 성수를 넣은 ‘예수 신발(Jesus Shoes)’을 내놓아 2019년 구글에서 가장 많이 검색된 신발로 등극했다. 이에 더해 래퍼 릴 나스 엑스(Lil Nas X)와 협업하여 나이키 운동화의 에어솔에 진짜 사람 피 한 방울을 넣어 만든 신발 ‘사탄 신발(Satan Shoes)’ 666켤레를 선보인 바 있으며 이에 따라 나이키와 법정 분쟁에 휘말리기도 했다. 이 외에도 유명 아티스트 데미안 허스트의 스팟 페인팅 중 하나인 ‘L-Isoleucine T-Butyl Ester(2018)’를 구입한 후 작품 속 점들을 하나씩 자르고, 남은 프레임까지 각각의 작품으로 판매해 7배 이상의 수익을 올린 ‘Severed Spots’, 또한, 유명한 팝아티스트 앤디 워홀의 작품을 복제해 판매하는 과정을 예술로 간주해 <어쩌면 앤디 워홀의 ‘요정’ 진품 (Possibly Real Copy Of ‘Fairies’ by Andy Warhol)>이라는 제목으로 미스치프가 구입한 진품 1점과 가품 999점을 섞어서 누구도 진짜를 알 수 없는 구조로 모두 판매한 바 있다. 이처럼 미스치프는 예술, 종교, 기술 등 보편화된 사회 분야의 인식을 타파하며 도발적인 ‘시비’를 거는 작업을 계속해서 선보이는데, 이를 통해 이 세상에 건드리지 못할 성역, 신성한 것은 아무것도 없다는 것을 보여준다. 미스치프의 장난기 가득한 풍자적 시선을 따라 이 세상을 남다른 관점으로 탐색해 보며 문제를 발견하고 영감을 얻는 시간을 경험케 하는 이번 전시는 2024년 3월 31일까지 진행된다. [허중학 기자]

“어린 시절, 만화, 특히 에르제의 ‘땡땡’ 시리즈, 알버트 우데르조와 르네 고시니의 ‘아르테릭스’ 시리즈에 빠져있었다. 그때부터 강박적으로 만화를 그리기 시작했다.” -일리야 밀스타인 [서울문화인] 마이아트뮤지엄(강남구 테헤란로 518, 섬유센터빌딩 B1)이 뉴욕 타임스, 구글, 페이스북, 구찌, LG 등 글로벌 브랜드와 협업하고 뉴욕을 넘어 전 세계적으로 사랑을 받고 있는 일러스트레이터인 일리야 밀스타인을 작품을 소개하는 국내 첫 기획전 《일리야 밀스타인 : 기억의 캐비닛Ilya Milstein : Memory Cabinet》을 선보이고 있다. 이탈리아 밀라노에서 태어나 호주 멜버른에서 자랐으며 미국 뉴욕에서 활동 중인 일리야 밀스타인(b. 1990)은 놀라운 디테일과 맥시멀리즘 화풍으로 순수예술과 상업예술의 경계를 자유롭게 넘나드는 작업을 하고 있는 작가로 그의 작품을 마주하면 어린 시절 ‘땡땡’ 시리즈나 ‘아르테릭스’ 시리즈에 대한 기억이 있는 사람들이라면 왠지 익숙한 느낌이 든다. “우리가 사는 세상을 온전하게 이해하기 위해서는 작고 간과된 사물과 현상을 눈여겨봐야 한다고 생각한다. 그래서 나의 작업은 종종 상세 묘사를 바탕으로 한다.” 지극히 일상적이고 소소한 것들을 캔버스에 그려내었지만 그 어떤 작품보다 인간의 보편적 정서를 압도적인 디테일로 그려내어 세계적으로 두터운 팬층을 확보하고 있다. 특히 최근 한국에서는 LG전자의 광고를 통해 작가의 작품이 널리 알려지게 되면서 더 많은 국내 팬들의 관심을 받고 있다. 또한, 보통 그림을 본다고 하는데 어디선가는 볼 수 있을 것 같은 그의 작품 앞에 한동안 서서 바라보면 그것들을 ‘본다’는 것을 넘어 마치 그 속에 들어있는 사람들의 일상을 보는 것을 넘어, 그 세상을 ‘읽게’ 만든다. 그런 만큼 이번 전시는 많은 이들의 눈과 마음을 사로잡은 작가의 독창적인 시각 언어와 특유의 세계관에 대한 여정의 네 개의 섹션(1부 티레니아해 옆 서재 (A Library by the Thyrrhenian Sea), 2부 리비에라에서의 추억들 (Riviera Memories), 3부 1983년 여름, 소호의 저녁 (Evening in Soho, Summer 1983), 4부 캐비닛 속 분실된 초상화 (Lost portraits in the cabinet))을 각각의 ‘캐비닛’으로 은유하여 보여준다. 이번 국내 첫 전시에 대한 각별한 애정을 가진 작가는 직접 기획한 아이디어로 우리나라 전통 정물화 ‘책거리’의 구조와 미학을 접목해 동서양의 조화로운 만남을 선보이는 특별 섹션을 만나볼 수 있다. 전시장을 찾은 작가는 “오래전부터 한국 문화의 매력에 빠져 있었다. 한국에서 받을 영감과 도시의 느낌, 관람객들과의 교감이 기대되어 첫 한국 방문을 고대하고 있다.” 전하며, 또한 “저마다 자신의 캐비닛 속 기억을 떠올리고, 그냥 지나칠 수 있는 작지만 소중한 일상을 생각해보고 공감하며 전시를 즐길 수 있기를 기대한다.”고 전했다. 전시는 작가의 이야기를 담고 있는 만큼 작품을 더욱더 몰입하여 감상할 수 있도록 스토리 몰입형 시네마틱 오디오 도슨트는 작품 해설 위주의 딱딱한 가이드에서 벗어나 작품 속 장면의 스토리와 전시공간을 더 재미있고 생동감 있게 관람할 수 있도록 제공한다. 이 외에도 어린이 대상 교육 ‘키즈 아틀리에’ 등 전시와 연계한 다양한 교육. 문화 프로그램도 진행된다. 전시는 2024년 3월 3일까지 진행된다. (입장료 성인기준 : 18,000원) [허중학 기자]

[서울문화인] 흔히 가면은 우리가 일상적으로 사람에게 자신을 드러내는 얼굴이 아닌 그 이면을 의미한다. 얼굴에 가면을 씀으로써 자신의 정체를 숨길 수 있기에 가면을 쓰고 마음 속 깊숙이 숨겨둔 진짜 속마음을 드러내는 경우가 있다. 이를 잘 나타내는 것이 가면극이라 할 수 있다. 이처럼 가면극에는 집단의 의식과 정체성이 반영되어 있다. 그리고 가면극이 이루어지는 놀이판에서는 지역, 나라 등 문화에 따라 각자 독특한 세계관이 펼쳐진다. 국립민속박물관(관장 김종대)은 지난 24일(화)부터 기획전시실1에서 한국, 중국, 일본의 가면을 통해 그 나라 문화를 살펴보는 특별전 《MASK-가면의 일상日常, 가면극의 이상理想》을 개최하고 있다. 이 전시는 국립민속박물관이 2년간 진행한 아시아의 가면 조사․연구를 응축한 결과물을 선보이는 전시이다. 한, 중, 일 동아시아 삼국의 가면극은 유래와 발전 과정에서 유사성이 보이지만, 언어와 문화가 다른 것처럼 가면극의 내용은 조금씩 다르다. 탈놀이라고 일컫는 한국 가면극은 객석과 무대의 경계가 없는 열린 세계를 통해 풍자로 민중의 한(恨)을 풀어낸다면, 중국 가면극의 놀이판은 영웅에 관한 노래로 마음을 울리는 영웅들의 레드카펫이라 할 수 있으며, 일본 가면극의 놀이판은 신을 위한 신전이다. 서로 다른 공간에서 서로 다른 가면을 쓰고 서로 다른 이야기를 하고 있지만 그 안에 담긴 본질적인 바람은 비슷하다. 사람들은 가면극을 통해 잘 먹고 잘 사는 세상을 꿈꿨다. 농사가 잘되고, 동물과 물고기가 많이 잡히고, 질병을 일으키는 액을 없애 아프지 않길 바랐다. 특히 우리나라의 경우 가면극이 끝나면 현실에 쌓여있던 응어리를 풀어내 끝나가는 한 해를 잘 마무리하고 다가오는 한 해 소망하는 바람을 담아 가면을 태우는 탈소제를 통해 연희에 사용했던 가면을 태우고, 관람객들은 다 같이 어울려 춤을 추며 가슴 속 한(恨)을 함께 태운다. 하지만 일본의 가면극은 신에게 올리는 제사의 한 과정으로 다양한 신을 형상화한 가면을 쓰고 신을 초대하여 찬양의 기도를 드리고 자신의 소원이 이뤄지길 기도하다보니 가면극이 끝나면 가면을 신사에 소중히 보관한다고 한다. 그런 만큼 이번에 선보이는 일본의 가면은 대여가 쉽지 않았다고 한다. 중국의 가면극은 나희(儺戲) 라고 하는데 지역과 민족에 따라 명칭과 이야기도 다양하지만 신화의 신, 관우와 같이 역사에 살았던 난세의 인물, 손오공 같은 소설 속 주인공 등 영웅을 주인공으로 하는 이야기가 다채롭게 펼쳐진다는 공통점이 있다. 이처럼 중국의 가면극은 인생의 멘토와 같은 영웅의 이야기를 통해 평범한 우리도 영웅이 될 수 있다는 희망을 준다. 전시는 총 200여 점(중국 80여 점, 일본 48점)의 가면이 소개되고 있는데 이 가운데 국보로 지정된 고려시대 하회탈, 1930년대 북청사자놀이 탈 등을 우리나라 가면의 원형을 살펴볼 뿐만 아니라 중국의 다양한 영웅들을 표현한 나희(儺戲)의 가면, 일본의 가장 오래된 예능의 하나인 가구라(神楽) 가면은 이번에 국내 최초로 공개하고 있다. 특히 중국의 나희에 등장하는 연개소문, 일본 가면극에 표현된 우리나라 삼국(고구려, 백제, 신라)의 가면도 소개되고 있다. 가면극은 지역과 자연환경에 따라 차이는 있지만, 삼국은 대체로 농경문화에 뿌리를 두고 있다. 그래서 삼국의 가면극에는 풍농과 더불어 다산과 장수를 바라는 마음이 함께 깃들어 있다. 전시는 국가별로 구분하지 않고 삼국의 가면극에 공통적으로 나타나는 풍요의 기원과 벽사, 그 사이에 삼국의 다른 점을 함께 소개하고 있다. 어우러짐, 영웅, 기도, 서로 다른 이야기 1부. <다른 이야기>에서는 삼국 가면극의 각기 다른 이야기와 그 속에 담긴 삶의 지향을 전시하였다. 말뚝이 대 양반, 취발이 대 노장, 할미 대 영감의 대결 구조로 극을 이끌어가다가 결국 화해하고 다 같이 춤을 추며 끝나는 한국의 탈놀이, 역사 속 영웅과 이웃들의 파란만장한 인생 스토리를 연희하는 중국의 나희, 신화와 민간 신앙 속의 여러 신들에게 기도를 올리는 일본의 가구라까지 삼국 가면극의 특징적인 이야기를 한 편의 드라마를 보듯 구성하였다. 가면극에 담긴 세계관, 그들이 꿈꾸는 세상은 무엇일까? 2부. <같은 마음>에서는 멀고 먼 사막을 건너 삼국에 온 사자가 벽사의 왕이 된 이야기, 흉악하게 생겼지만 사실 액을 없애고 복을 주는 착한 가면들, 풍농․풍어․다산 등 풍요를 목적으로 연행되는 가면극들까지 살맛나는 세상을 꿈꾸는 소망이 담긴 가면과 가면극을 소개한다. 닮은 듯 다른 듯 다양한 얼굴들 3부. <다양한 얼굴>에서는 한이 담긴 여인의 얼굴, 웃음기 가득한 익살꾼의 얼굴, 그리고 중국과 일본에까지 위용을 떨쳤던 옛 한국인의 얼굴들을 소개하여, 이웃 국가에서 고대 한국인을 어떻게 보았는지를 살펴보고 있다. 한편, 국립민속박물관은 전시와 동시에 <한국·일본·중국의 가면과 가면극> 3권을 발간하였다. ‘북청사자놀음’ 등 한국 가면극 20종, ‘고토 카구라’ 등 일본 가면극 23종, ‘무안나희’ 등 중국 가면극 24종을 망라한 학술 총서로 이 총서에는 전경욱(한국)·나가마쓰 아쓰시(일본)·장쿤쿤(중국) 등 한·일·중 3국의 가면극 연구자 44명이 참여한 국제학술 공동 프로젝트로 진행되었다. 이번 전시는 2024년 3월 3일(일)까지 진행된다. [허중학 기자]

[서울문화인] 바다는 지구의 전체 표면의 70%를 차지하는 곳이자 생명이 태생한 원천이 되는 곳이기도 하다. 바다 그 중요성과 역할이 점점 더 커지고 있는 만큼 문제점도 크게 대두되고 있다. 바다라는 키워드로 다양한 담론을 예술가의 시선으로 다루는 부산 ‘바다미술제’가 올해 ‘깜빡이는 해안, 상상하는 바다 (Flickering Shores, Sea Imaginaries)’를 주제로 14일 일광해수욕장 일원에서 개막을 알렸다. 바다미술제는 1987년 88서울올림픽 프레 행사를 계기로 출발, 부산의 자연환경을 잘 반영하는 독특한 전시로 평가받고 있는 비엔날레로 1996년 제8회까지 독립적으로 치러지다가 2000년에는 ‘부산청년비엔날레’와 통합되어 ‘부산국제아트페스티벌(PICAF)’로 개최되었고, 이후 ‘부산비엔날레’와 가은 시기에 진행되다가 2011년부터 격년으로 개최되고 있다. 광안리, 송도 그리고 한동안 다대포해수욕장에서 진행해오다 2021년부터 일광해수욕장에서 진행하고 있는 이번 바다미술제는 ‘깜빡이는 해안, 상상하는 바다’라는 주제로 생존의 필수적 근원이자, 동시대 자본주의 사회에서 우리가 다양한 방식으로 착취하고 의존하는 거대한 산업으로써의 바다에 대한 관심을 해양 개발과 심해 채굴, 환경오염과 지속가능성, 해양 생물과 생물 다양성 등 키워드로 그리스 출신의 기획자 이리니 파파디미트리우(Irini Papadimitriou)가 전시감독 아래 20개국 31팀(43명)이 참가, 일광해수욕장 백사장을 비롯하여 인근의 실내 전시장 3곳에서 조각, 설치, 영상, 평면 등 총 42점의 작품을 통해 해안가 지역 사회의 대안적 미래를 위한 공통의 가치와 행동을 상상해 보게 하고 바다를 바라보는 새로운 관점을 제시하고 있다. 이리나 감독은 “바다는 생존의 필수적 근원이자, 동시대 자본주의 사회에서 우리가 다양한 방식으로 착취하고 의존하는 거대한 산업이다. 올해 바다미술제는 산업으로써의 바다를 마주하는 인간의 시선, 그리고 우리가 지금까지 영위했던 산업, 삶의 방식을 버리기보다 그것을 지속가능하게 하겠다는 또 다른 시도를 담았다.”고 밝혔다.더불어 김성연 집행위원장은 “올해 바다미술제는 이전 바다미술제에서 만났던 백사장 위 인상적인 작품은 적다고 느낄 수 있다.”라며 운을 띄운 후 “올해는 바다와 환경을 압도하기보다, 시간을 가지고 작품과 ‘일광’이라는 마을을 고찰하도록 구성했으며 그 과정에서 주제를 떠올릴 수 있도록 제안하고 있다.”고 설명했다. 먼저 펠릭스 블룸 (Félix Blume, 프랑스)의 〈바다의 풍문〉(Rumors from the sea)은 해변을 찾은 관람객으로부터 가장 많은 사랑을 받는 작품이 아닌가 싶다. 이 작품은 파도와 해안의 바람이 대나무를 통해 마치 돌고래의 울음처럼 바다가 만들어내는 소리를 들려주는 듯하다. 대나무 피리가 달린 백여 개의 대나무 기둥으로 이루어진 이 작품은 대나무 방파제를 홍수 막는 장벽에서 소리를 듣기 위한 입구로 탈바꿈시켰다. 사운드 설치작품인 이 작품은 우리가 열린 공간에 모여 바다와 주변 소리에 귀를 기울이며 명상할 수 있는 아주 특별한 장소를 제공하고 있다. 작가는 기둥 끝에 바닷물이 드나들 수 있는 구멍을 뚫어 파도가 칠 때마다 공기층을 밀어내며 피리를 연주하도록 하였다. 손몽주는 바다에 떠다녔던 조각, 어망, 어구 등을 소재로 <스윙 파빌리온> 연작을 선보인고 있다. 그는 비일상적 규모로 높고 넓은 공간을 창조하여 극적인 공간감을 선사하며 누구나 공간을 유희하고 만끽할 수 있는 쉼터이자 놀이의 자리를 마련한다. 양자주 작가의 <바다로부터>는 한국 전쟁 당시 피난민들의 건축 기술과 특히 해초를 건축 자재로 사용하였던 구축 방법을 이해하고, 작업에 적용하기 위해 부산 영도를 포함한 바닷가 피난처 마을에서 발견된 해초 흙집을 연구, 이제는 자취를 감췄지만 기발하고 창의적이었던, 소박한 혁신이었던 흙과 해초로 집 짓는 방법을 되살려내었다. 김덕희 작가의 <메아리, 바다 가득히>의 자연과 생명, 사회와 문화, 물질과 에너지, 시간과 공간을 아우르는 '삶'과 '우주' 속 세계의 다양한 층위에 깊은 관심을 가진다. 작가는 빛과 열, 중력, 언어와 같은 비물질적 매체를 사용하여 물질과의 상호작용 속에서 일어나는 현상을 작품화하였다. 다양한 형태와 크기의 울타리는 경계선을 겹겹이 쌓아 투과할 수 있는 양감을 만들어 낸 야스아키 오니시의 〈경계의 레이어〉는 우리와 바다 혹은 자연 사이에 자리한 공간은 분리선이나 경계선으로 생각될 수도 있지만, 이 작품의 빈 공간은 수직선과 수평선, 채워짐과 비워짐의 구조로 형상화되어 우리가 다채롭게 해석하고 새로운 지평을 그려보며 그 형상을 채우게 한다. 작가는 익숙한 울타리를 뒤집어 더 이상 고정된 구조물이 아닌, 꿰뚫어지고 다양하게 해석되게끔 한다. 그렇게 우리와 바다를 가르는 경계라고 여겨지는 선을 우리의 상상으로 지워보자 제안하고 있다. 제이알 카펜터와 토모 키하라의 <이것은 좋은 사인이 아니다>는 증강현실(AR)을 이용한 시 프로젝트이자 장소 특정적 설치작품으로 해수욕장을 따라 설치된 실물 사인과 웹을 기반으로 한 증강현실로 구성된다. QR 코드를 통해 접속할 수 있는 증강현실에서는 과거와 현재의 기후 환경에 관한 질문을 담은 AR 사인이 관람객 주위에 나타난다.이 작품은 2021년 런던에서 열렸던 실험적 게임 페스티벌인 Now Play This에 처음 출품된 이후, 런던 빅토리아 알버트 미술관에서 전시된 Digital Design Weekend와 베를린에서 개최된 Everything Will be Fine 전시 주제에 맞춰 ‘Time rivers under us. 시간은 우리 밑으로 강물처럼 흐른다.’, ‘It’s fine. 괜찮아요.’ 등 새로운 사인이 추가되었다. 스튜디오 1750의 〈수생 정원〉은 인공적이고 생경한 환경을 조성하여 작품 내부를 거닐 수 있도록 관람객을 초대한다. 그 안에서 우리는 부자연한 환경에서 살아남기 위해 환경적 또는 유전적으로 변이되고 진화한 기이한 생명체가 되어볼 수 있다. 작가는 이 수행적이고 유쾌한 관객 참여형 설치 작품을 통해 우리가 알지 못하는 모습으로 변해가는 세상에 대한 걱정과 불안을 표현하고 있다. 퍼블릭 프로그램 ‘괴물이 산다’에서 직접 제작한 바다 생명체 형상의 종이 모자를 착용하고 작품을 체험하실 수 있다. 조은필 작가의 〈빛과 어둠 사이〉는 푸른색 레이스로 감싸진 배는 어둠 속에서 명확한 존재와 의미를 잠시 내려 두고 또 다른 의미를 상상하게 하는 대상이다. 패턴이 있는 레이스로 배의 전체를 감싸는 것은 물체를 가리는 동시에 드러낸다. 마치 피부처럼 사물에 씌워진 레이스는 사물을 보이지 않게 하지만, 그 아래 우리가 보지 못했던 세밀한 부분을 오히려 드러낸다. 게리 젝시 장의 〈오션 브리핑〉은 우주 일기예보이자, 지리·전략적 보고, 낭만적인 소설로 전시 기간 진행되는 일일 방송 시리즈로 해운 운송의 붕괴, 지정학적 무질서함, 기상학적 불안, 음흉한 음모설을 하루마다 이야기하는 자막 방송은 불안정한 세상에서 영감을 얻는다. 〈오션 브리핑〉은 소음의 바다에서 시그널을 찾아 일광 바다를 연출하는 자막을 해변에 띄운다. 해수욕장 끝자락 데크 산책로에 선보이고 있는 인도네시아 출신의 아리 바유아지(Ari Bayuaji)의 작품은 플라스틱 폐기물을 섬유미술 작품으로 탈바꿈시키는 작업을 이어온 작가가 부산의 해안에서 발견한 플라스틱 조각들을 이용하여 수천 가닥의 플라스틱 천을 엮어 해양 오염과 같은 환경 문제와 그로 인해 파생되는 해양 생태계 파괴 등의 경과를 보여준다. 또한, 해안과 이어지는 일광천에는 파키스탄 출신의 시마 누스라트(Seema Nusrat)의 <떠 있는 조각(Floating Fragments)>과 레나타 파도반의 〈맹그로브 시리즈〉를 만나볼 수 있다. <떠 있는 조각>은 한국의 전통 지붕에서 영감을 얻어 제작되었다. 기장군을 가로지르는 일광천과 동해 바다가 만나는 강송교 앞에 자리한 이 작품은 강물에 반쯤 잠긴 기와지붕을 보여준다. 누스라트는 불안한 전경을 연출한 작품을 통해 해수면상승과 같은 기후변화와 문화유산 보존, 도시 개발 간의 부조화를 재조명하며 우리가 나아가는 방향을 되돌아보게 한다. 〈맹그로브 시리즈〉는 맹그로브 숲은 전 세계 열대 및 아열대 지역에서 발견되는 맹그로브는 어린 해양 생명체에게 서식지와 먹이를 제공하고, 홍수를 막는 장벽으로 기능할 뿐 아니라 기후 변화를 완화하는 중요한 수단이자 육지와 바다를 연결하는 필수적 생태계이다. 그러나 오늘날 맹그로브는 해안개발과 벌목, 새우 양식으로 가장 큰 위험에 처한 서식지 중 하나이다. 이 작품이 우리가 간과해 온 맹그로브 생태계에 관심을 기울일, 숲의 중요성과 보존의 시급성을 일깨우기 위한 작품이다. 일광천 옆에 자리한 강송정 공원의 윤필남의 <심해의 명상>은 아직 회복될 수 있는 무한한 삶의 터전으로 바다와 해양 생태계, 사람과의 공생관계를 이야기하는 이 작품은 대나무로 틀을 만들고 천을 덮어 깊은 바다를 걷는 기분을 느낄 수 있는 사색의 통로를 만들었다. 바다미술제가 일광해수욕장으로 자리를 옮기면서 달라진 점은 조각, 설치 작품 이 외에도 지역 공간을 활용하여 다양한 매체를 통해 선보인다는 점이다. 올해는 일광의 명물, 찐빵 골목에 위치한 (구)일광교회(부산시 기장군 일광읍 일광로 125), 삼성리 마을의 할매 신당과 할배 신당 사이에 위치한 창고가 활용되고, 일광해수욕장 중앙입구에 위치한 하얀 건물들도 실험실로 운영되고 있다. 먼저 일광해수욕장 백사장에서는 덴마크 출신 3인조 콜렉티브 슈퍼플렉스의 <모든 것은 물이다>를 만날 수 있다. 작가는 이 영상작품을 통해 인간 중심이 아니라 비인간 의식의 관점에서 문제를 고찰한다. 과학자 아냐 웨그너(Anja Wegner)가 가시 어류의 작은 종 ‘크로미스 크로미스’의 사회적 행동에 건축이 어떤 영향을 미치는지를 연구한 실험을 담아낸 새 영상작품을 선보인다. (구)일광교회는 70여 년의 역사를 간직한 이곳은 1951년 감리교 기도처였고, 6·25 전쟁 당시 부상자 치료소로 기능하였다. 이후 1971년까지 중학교로 이용되었다가 2018년까지는 일광교회로 활용되었고, 최근까지 비어 있던 공간으로 이곳에는 사우디아라비아 작가 무한나드 쇼노(Muhannad Shono)가 공간과 장소에 대한 관계를 정의, 매듭 하나하나로 이루어진 작은 실들을 엮어 메아리를 만들어 낸 작품을 선보인다. 작가는 제59회 베니스비엔날레 사우디아라비아관 작가로 참여하였으며, 사우디 문화부가 주최하는 ‘2022 내셔널 컬처 어워즈’에서 수상하며 차세대 신진 예술가를 대표하는 작가로 주목받고 있다. 실내 전시장 신당 옆 창고에서는 기장 다시마와 라탄 등 천연 소재로 만든 오브제와 살아있는 해조류를 기장 다시마와 연결된 지도와 함께 지역 사회의 이야기들을 소개하는 율리아 로만 & 김가영(Julia Lohmann & Kayoung Kim)의 <해조류 스튜디오>와 함께 샤일레쉬 비알(Shailesh BR), 왕덕경, 칼립소36°21(Calypso36°21)의 작품을 이 창고 공간에서 만나볼 수 있다. 한편, 일광해수욕장 중앙에 자리한 2023바다미술제 실험실은 이번 2023바다미술제에서 새롭게 선보이는 것으로 이곳에는 전시와 함께 다양한 프로그램이 진행되는 열린 공간으로 매니페스토를 포함한 많은 연계 프로그램이 진행된다. 예술가의 시선으로 바다를 바라보는 새로운 관점을 제시하는 2023바다미술제는 11월 5일까지 진행된다. [허중학 기자]

[서울문화인] 2023 제9회 대구사진비엔날레가 대구문화예술회관에서 《다시, 사진으로!, 사진의 영원한 힘》이라는 주제로 지난 9월22일부터 개최되고 있다. 첨단 디지털 기술과 뉴미디어의 등장으로 동시대 시각예술에서 사진의 영향력이 감소되었다는 오해도 있으나, 여전히 사진은 가장 중요한 시각 매체이자 동시대 시각문화와 시각예술을 주도하고 있다. 특히 이제는 신체 일부가 된 휴대폰 카메라로 사진을 찍고, 인터넷과 SNS를 통해 그 이미지를 배포하면서 삶과 경험을 공유하면서 소통에서 핵심 역할을 하고 있다. 오히려 사진 매체가 과거 특정인의 전유물이 아닌 대중들의 손에서 그 위력이 더욱 증가하고 있음을 확인할 수 있다. 그만큼 누구나 일상을 기록하고 이를 공유하는 시대에 살아가는 만큼 올해 대구사진비엔날레는 기존 비엔날레가 가졌던 사회, 정치, 환경, 기후, 재난, 이주, 여성, 소수자, 공존 등 유행하는 거대 담론에서 벗어나 오늘날 인간의 정신, 신체, 감각, 예술을 갈수록 장악해가는 기술 매체, 그중에서도 사진 매체의 고유한 특성과 힘을 다룬다. 올해 비엔날레의 박상우 예술총감독(서울대학교 미학과 교수)은 “회화, 언어 등 다른 매체가 결코 흉내 낼 수 없는, 오직 사진만이 표현할 수 있는 ‘사진적인 사진’을 다룬다. 특히 사진 매체의 세 요소인 빛, 장치, 인간이 현대시각예술에서 발휘하는 경이로운 예술적 표현능력에 주목하였다. 이를 통해 1990년대 이후 현대 시각예술에서 잊혔다고 오해된, 사진의 놀라운 능력과 진정한 ‘힘’을 보여주려고 한다.” 이런 배경에서 이번 제9회 대구사진비엔날레 주제전은 10개의 소주제를 통해 사진 매체의 힘이 동시대 시각예술에서 어떤 양상으로 펼쳐지고 있는가를 살펴보고 있다. 10개의 사진의 힘들(증언의 힘, 빛을 기록하는 힘, 순간 포착의 힘, 시간을 기록하는 힘, 반복과 비교의 힘, 시점의 힘, 확대의 힘, 연출의 힘, 변형의 힘, 관계의 힘)로 구성된 이 소주제는 사진의 발명 이후 줄곧 새로운 가시성을 추구해 왔던 작가들이 다양한 방식으로 탐구해오던 것이기도 하다. 이번 비엔날레는 사진의 특성에 기반한 동시대 작품 중에서도, 특히 사진의 원초적인 힘과 에너지가 강력하게 드러나는 작품에 주목하였다. 예컨대, ‘광학적 무의식’의 세계, 즉 시공간적으로 인간의 감각을 초월하지만, 카메라에는 포착되는 이미지를 선보일 것이다. 눈에 겨우 보이는 작은 대상을 전시장 벽의 크기로 확대한 사진, 혹은 폭발하는 사물의 파편들을 순간 포착한 사진 등을 제시한다. 이런 사진은 감광판, 렌즈, 셔터라는 장치가 자신의 능력을 최대한 활용하여 창출한 이미지이다. 이런 이미지를 처음 본 사람은 우선 인간의 눈이 결코 체험하지 못한 시각적 스펙터클에 압도당한다. 하지만 단지 새로운 시각적 충격이나 쾌락만이 아닌 사진에 관한 근원적인 질문인 ‘사진이란 무엇인가’에 대해 천천히 생각할 기회를 던지며, 결국 보는 전시이자, 동시에 ‘사유하는’ 전시이라 할 수 있다. 박상우 예술감독은 “사진이 가진 이 힘들은 거의 2세기가 지난 현재에도 지속해서 동시대 문화와 시각예술에서 위력을 발휘하고 있다. 거시적인 사회문화 환경은 바뀌었어도 사진의 힘은 영원하다는 뜻이다. 이번 주제전은 동시대 미술가와 사진가가 사진의 힘에 의지하여 구현한 경이로운 시각 스펙터클과 만나는 귀중한 기회가 될 것이다.”라 설명했다. 박상우 감독과 함께 주제전은 세계적인 사진학자이며 사진계 석학 미셸 프리조(Michel Frizot)가 함께 기획하였다. 그는 파리 퐁피두 미술관, 죄드폼 미술관 등 유럽의 유서 깊은 미술관에서 앙리 카르티에-브레송(Henri Cartier-Bresson), 앙드레 케르테츠(André Kertész) 등 전설적인 사진가들의 전시회를 기획한 저명한 큐레이터이다. 주제전 외에도 초대전인 대구사진사 시리즈III(대구문화예술회관 13 전시실)에서는 대구 사진의 힘을, 광복과 전쟁을 거쳐 80년대에 이르기까지 사진가, 사진단체, 사진사 연표를 통해 입체적으로 조명하며, 과거 사진비엔날레와 달리 포토북 페스티벌(대구문화예술회관 12 전시실)도 마련하여 관객이 사진책 내부의 사진의 묘미와 작가의 다양한 사진 아카이빙 작업도 함께 느끼도록 하였다. 또한 동대구역 광장에서는 ‘대구, 그때와 지금_사진 비교의 힘’, 대구예술발전소 및 경북대학교미술관에서는 영아티스트 사진전, 프린지 포토페스티벌, 장롱속 사진전 등 전문가와 아마추어 일반 시민 모두가 참여하는 프로그램이 진행된다. 비엔날레 기간 다채롭고 참신한 주제들을 다룬 사진강연 워크숍이 진행되어 사진에 관심 있는 분이라면 누구나 참여할 수 있다. 워크숍은 비엔날레의 전체 주제인 사진의 특수성을 대중에게 소개하는 다양한 강연과 함께 사진 탄생의 비밀, 시대별 사진경향과 같은 사진이론뿐만 아니라 로드뷰 사진, 드론 사진, 인공지능 사진, 성형(成形)사진 등 날로 발전하는 사진의 첨단기능도 소개하는 등 대중에게 친숙한 강연이 진행된다. 제9회 대구사진비엔날레는 오는 11월 5일까지 진행된다. [허중학 기자]

- 팬데믹 시대에 경험한 복잡한 감정을 성찰하는 ‘시간 여행’ - 인간 내면의 다양한 감정이 투영된 회화, 조각, 영상 등 총 50여 작품 전시 [서울문화인] 롯데뮤지엄이 회화와 디지털 기술을 결합한 시각예술의 새로운 장르를 개척하며 미술계에서 주목받고 있는 오스틴 리(Austin Lee)의 국내 최초 개인전 《패싱 타임(PASSING TIME)》을 선보이고 있다. “본 적 없는 새로운 이미지를 만드는 것을 좋아한다. 그것은 마치 처음 듣는 노래와 비슷하다. 나는 항상 그 낯설면서도 신나는 느낌을 찾고 있다.” – 오스틴 리 I love making new images that I haven’t seen before. It is similar to when I hear a new song for the first time. I’m always looking for that exciting and unknown feeling.’ – Austin Lee 개인적으로 오스틴 리는 이번 전시를 통해 처음 접하게 된 작가이다. 오스틴 리(Austin Lee, b.1983)는 뉴욕을 기반으로 활동하는 아티스트로, 가상현실과 증강현실 등 확장 현실 기술을 회화와 접목한 독창적인 작품 세계를 펼치고 있는 작가로 디지털을 기반으로 회화, 조각, 영상에 이르기까지 다양한 장르의 작품을 만들고 있다. 또한, 영상 작품의 배경 음악을 스스로 작곡할 정도로 음악에도 조예가 깊은 작가이다. 그의 작업 방식을 살펴보면, 먼저 디지털 드로잉을 활용해 이미지를 구상, 이렇게 구상한 디지털 이미지를 캔버스에 에어브러시로 그리거나, 3D 프린터를 이용해 조각으로 형상화한다. 디지털 이미지를 그대로 현실로 옮겨놓은 듯한 작품들은 기쁨, 슬픔, 사랑, 불안 등 복잡 미묘한 감정들을 담아내고 있다. 작가는 자신의 작업을 쉽게 정의 내리기 어려운 인간성을 탐구하여 상호 간의 감정을 이해하고 공감하는 것이라 한다. 오스틴 리는 2014년 뉴욕 포스트마스터즈 갤러리(Postmasters Gallery)에서 첫 개인전 이후 2016년 세계적인 아티스트 무라카미 다카시(Murakami Takashi, b.1962)가 기획한 《주타포즈 x 수퍼플랫 Juxtapoz x Superflat》전시에 참여했다. 당시 무라카미 다카시는 오스틴 리 작가는 어떤 ‘신비로움’을 가지고 있다면서, 그의 권투 선수 경력을 언급했다. 오스틴 리는 고등학교 때 권투 체육관에서 일하며, 아마추어 권투 경기에 참여한 적이 있다. 이 짧은 경험으로 권투는 그의 삶에 큰 영향을 주었고, 작가는 권투와 그림은 철학과 정신적 관점에서 유사한 면모가 있다고 말한다. 이번 전시 《패싱 타임(PASSING TIME)》은 사람들이 코로나 팬데믹 시대에 경험한 복잡다단한 감정을 돌아볼 수 있는 ‘시간 여행’으로 기획된 전시로 미국 뉴욕과 터키 이스탄불, 독일 베를린, 이탈리아 밀라노 등 세계 여러 기관에서 작품을 선보였으며, 2022년 베이징 엠 우즈 뮤지엄(M Woods Museum)에서 전시에 이어 롯데뮤지엄에서 한국 첫 개인전으로 시간의 흐름 속에서 변화하는 감정을 주제로 한 회화, 조각, 영상 등 작품 50여 점을 선보이고 있다. 전시는 사회적 단절로 인해 모든 것이 멈춘 시간 속에서 혼란을 겪는 인간 내면을 보여주는 것으로 전시가 시작된다. 반복 재생되는 미디어와 음악은 삶과 죽음의 경계선상에서 느끼는 혼돈을 극대화하였다. 특히 이번 전시장은 여러 갈래로 뻗어나가는 복도로 디자인되었다. 이는 거대한 시계 바늘을 형상화한 것이라 한다. 시작과 끝이 불분명하게 교차된 공간에서 다양한 감정을 주제로 한 작품들이 뒤섞이며 삶의 연속성을 보여준다. 이번 전시의 대표작품으로 익살스러운 미소와 함께 한쪽 팔을 올리고 손을 흔들고 있는 형태의 <워크>는 디지털 드로잉이 어떠한 방식으로 회화나 조각 같은 작품으로 변환되는지를 잘 보여주는 작품이다. RGB 컬러인 주황, 노랑, 파랑의 화려한 색들로 머리와 몸통, 다리 부분이 표현되어 있는 이 작품은 디지털 세계에서 만들어 낸 가상의 대상이 현실 공간에 존재하고 또한 걸을 수 있게 함으로써 가상과 현실 사이의 경계를 허무는 오스틴 리만의 작업 특성을 잘 보여준다. 양팔을 벌리고 바닥에 누워 있는 인물은 물을 뿜어내고 있는 <파운틴>이라는 제목의 이 설치는 오스틴 리가 이번 전시를 위해 특별히 선보이는 작품으로 붓과 팔레트를 양손에 들고 있는 모습에서 이 인물을 아티스트라고 추측할 수 있다. 작가는 이 인물의 얼굴에서 물이 뿜어져 나오게 의도하며 분수대 형태로 설계하였고, 뿜어져 나온 물은 바닥을 통해 흐르도록 제작하였다. 그리고 그 옆에는 분수를 바라보며 앉아서 사색할 수 있도록 벤치를 직접 디자인하여 배치했다. 오스틴 리는 물이 가진 속성으로 이 작품을 구상하기 시작했다. 물이 작은 폭포를 이루고 춤을 추듯 흘러가는 모습을 통해, 작품은 과거와 현재, 미래가 교차되는 시간을 함축적으로 담아내었다. 작가는 이 작품을 통해 잔잔하게 흐르는 물을 바라보고 소리를 들으면서 지나온 시간을 되돌아보고, 생각에 잠기는 명상의 순간을 선사하기를 바라는 맘에서 제작하였다. 고등학교 재학 시절 복싱 체육관에서 일을 하며 아마추어 경기에도 참여했던 작가가 복싱 경기에서 패배한 한 복서가 경기장 줄에 위태롭게 기대고 있는 모습을 표현하고 있는 <Cry Baby>(크라이 베이비)는 패배로 깊은 상실감을 표현한 2018년 작품 <린 Lean>으로부터 영감을 받아 작업한 작품으로 빨간 복싱 글러브를 낀 채 양손을 머리 위로 들고 눈물을 흘리고 있는 한 복서가 등장한다. 그는 마치 글러브 낀 양 팔을 높게 들고 경기의 승리를 외치며 기쁨의 눈물을 흘리고 있는 것처럼 보이지만, 한편으로는 패배로 인해 눈물로 가득 채워진 물웅덩이에서 허우적대는 모습처럼 보이기도 한다. 오스틴 리는 슬픔과 좌절을 겪은 사람만이 진정한 기쁨을 이해하고 느낄 수 있다는 것을 작품을 통해 이야기하고 있다. 이 외에도 그는 거장들의 명화를 차용해 자신만의 방식으로 재창조한 작품을 만들어왔는데 이번 전시에는 프랑스를 대표하는 20세기 색채 화가, 앙리 마티스가 1910년도 발표한 대표작 <댄스>를 재해석하여 만든 디지털 작품과 브론즈로 제작한 <조이>를 선보인다. 전시장 마지막에는 이번 전시를 기념하여 오스틴 리가 새롭게 제작한 작품으로 지나가는 시간에 대한 아쉬운 감정과 다가오는 새해의 시작을 맞이하는 설렘을 동시에 담은 작품 <플라워힐>이 장식한다. 세 개의 화면으로 이루어진 영상에는 눈, 코, 입이 있는 꽃들이 언덕 위를 가득 채운다. 마치 인간과 같은 인상을 주는 꽃들은 수줍은 모습으로 익살스럽게 춤을 추며 즐거운 분위기를 자아낸다. 전시는 12월 31일까지 진행되며, 매일 3회(11시, 14시, 16시) 전문 도슨트가 전시장에서 무료로 전시를 해설해 주며, 네이버 VIBE 앱을 통해 무료로 전시 해설을 들으며 전시를 감상할 수 있다. 관람료는 성인 20,000원, 청소년 15,000원, 어린이 13,000원이며, 만 4세 미만은 무료다. 매월 마지막 주 수요일 ‘문화가 있는 날’에는 관람권이 40% 할인된다. 관람 시간은 매일 10:30-19:00이며 마지막 입장은 18:30까지다. [허중학 기자]

[서울문화인] 일상에서 공공디자인을 경험하고 실천하며 공공디자인의 가치를 되새겨 볼 수 있는 축제 ‘공공디자인 페스티벌 2023’이 10월 20일부터 29일까지 개막식이 열리는 부산을 비롯한 전국 160여 곳의 공공디자인 거점에서 진행된다. 지난해에 이어 두 번째로 개최되는 ‘공공디자인 페스티벌’은 한국공예‧디자인문화진흥원(원장 장동광, 이하 공진원)이 주관하는 행사로 모두가 누리는 공공환경을 함께 상상하고 더 나은 미래로 향하자는 의미를 담은 ‘모두를 위한 디자인’의 주제로 진행된다. 특히 올해는 공공디자인의 확산과 발전을 위해 도시문화부터 해양산업까지 다양한 분야에서 공공디자인을 활기차게 추진하고 있는 부산에서 축제를 시작한다. 부산역을 시작점으로 개막식과 주제전시가 열리는 수영구의 복합문화공간 F1963, 일과 삶, 휴식의 조화를 추구하는 업무 형태를 제안하는 부산 워케이션 거점센터를 비롯해 국립해양박물관, 영주동 도시재생현장지원센터, 부산시민공원 등에서 관람객을 맞이할 예정이다. 이번 주제전시 <모두를 위한 디자인: 우리가 꿈꾸는 보통의 일상>에서는 집, 동네, 학교, 일터, 쇼핑, 대중교통 여섯 개의 일상 영역에서 경험하는 공공디자인 사례를 관객 친화형 전시로 선보인다. 특히 대한민국 공공디자인 대상 수상작을 비롯한 전국의 우수 공공디자인 사례를 다양하게 제시하여 개인과 사회의 문제를 해결하고 삶의 품격을 높이는 공공디자인의 가치를 조명한다. 또한, 10월 24일(화) 부산 아스티 호텔에서는 “장벽이 없는 삶, 모두를 위한 디자인”을 주제로 토론회가 진행된다. 인천시, 산림청, 삼화페인트, SK텔레콤 등 국내 공공기관 및 기업 등 15개 단체 담당자가 참석해, 유니버설디자인(Universal Design)의 정책과 사업을 발표하고 심층 토론한다. 특히 일본 내각부의 무장애·유니버설디자인의 자문위원인 도요대학의 다카하시 기헤이(Takahashi Gihei) 교수를 초청해 한국보다 먼저 초고령화 사회로 진입한 일본의 유니버설디자인 정책과 사회문제 해결방안을 들어본다. 이번 축제는 메인 전시관이 있는 부산 이 외에도 서울, 경기, 충청, 전라, 제주 등 전국 각지에서도 열린다. 친환경 농부시장 마르쉐(부산 F1963, 서울 성수), 대한민국건축문화제(문화역서울284), 어반스케쳐스 서울(Urban Sketchers Seoul)과 함께하는 도시 스케치(부산시민공원, 서울숲), 학술대회(문화역서울284) 등에서도 다채로운 참여 프로그램이 준비되어 있으며, 국립세계문자박물관, 국립수목원, 서울시의 “서울은 미술관” 등 국·공립기관 등도 축제에 동참하여 모두를 위한 디자인과 지구 환경을 생각해 볼 수 있는 전시와 워크숍을 진행한다. 더불어 축제의 하나로 ‘공공디자인 국민아이디어 공모전’ 시상식이 10월 27일 서울 언더스탠드에비뉴에서 개최된다. ‘공공디자인 국민아이디어 공모전’은 국민이 직접 일상 속 불편 요소를 찾아 공공디자인으로 해결방안을 모색하고, 공공디자인의 가치와 중요성을 경험할 수 있도록 기획한 공모전이다. 4회째를 맞아 올해의 표어인 ‘공공디자인, 경계를 잇다’를 주제로 다양한 사용자를 배려하고 공공가치를 추구하는 다채로운 아이디어가 접수됐다. ‘안전을 생각하는 모두를 위한 안전표지 플랫폼 디자인’ 대상작 선정 대상(문체부 장관상)으로 선정된 ‘안전을 생각하는 모두를 위한 안전표지 플랫폼 디자인(손효인, 송준근, 김소연, 임효정, 김소혜)’은 산업현장의 안전언어인 안전표지 활용을 돕기 위한 플랫폼으로 산업군, 중대 재해, 법령 키워드를 바탕으로 한 정보제공을 통해 올바른 안전표지 사용을 장려하고, 사용자 맞춤형 안전표지를 제작할 수 있도록 하였다. 이 외에도 일반부 최우수상에는 ‘신속 정확 심정지 환자 응급구조 장비(이태림)’로 자동제세동기 사용법을 영상매체로 직관적으로 제공하여 응급상황에서의 대처를 용이하게 하고, 사용법 영상을 상시 노출함으로써 교육효과를 기대할 수 있게 하였다. 우수상에는 ▲시청 공무원이 고안한 어린이 안전을 위한 ‘노란 무지개 : 어린이공원 출입구 시인성 확보를 위한 공공디자인(김현진)’, ▲재활요양병원 물리치료사가 제시한 남녀노소 손쉽게 개봉할 수 있는 ‘모두의 봉투(윤현혜)’ 총 2건이 선정되었으며, 장려상은 ▲‘빗물을 이용한 음료컵 재활용 공간(신승미, 김기덕, 서하평)’ 등 총 3건이, 입선은 ▲‘메타 깐부 : 학교폭력 예방 및 대처를 위한 중·고등학교 통합 플랫폼(김민정, 이선주, 김성훈)’등 총 5건이 선정됐다. 학생부에서도 공공가치를 추구하는 다양한 아이디어가 제안됐다. 최우수상에 선정된 ‘전봇대의 전주번호를 이용한 안전 예방 공공디자인 계획(김대훈, 정다연)’, 우수상에는 ▲‘물에 뜨는 빗물받이 덮개(이재룡)’, ▲‘쾌적한 공공화장실 이용을 위한 반투명 UV 살균 커버(차송현, 이예린, 김지효, 주효임)’ 등 총 2건이, 장려상은 ‘음주 단속 시 도주 방지를 위한 트랩 방지턱 디자인(우준완, 백자경)’등 총 3건이, 입선에는 ▲‘작은 동물들 로드킬 방지를 위한 안전벽돌 디자인(김수빈)’등 총 5건이 선정됐다. 공모전 아이디어는 공공디자인 종합정보시스템(publicdesign.kr)에서 역대 수상작을 확인할 수 있으며, ‘공공디자인 페스티벌 2023’에 대한 세부 프로그램과 일정은 공식 누리집(publicdesign.kr/festival)에서 확인할 수 있다. [허중학 기자]

[서울문화인] 서울, 부산과 함께 국내 3대 아트페어 중 하나인 대구에서 진행되는 ‘대구아트페어(Diaf)’(이하 디아프)가 11월 2일 VIP 프리뷰를 시작으로 11월 5일까지 대구 엑스코 동관 4, 5, 6홀에서 진행된다. (사)대구화랑협회가 주최로 올해로 16회째를 맞이하는 디아프 2023에는 6개국(한국, 일본, 러시아, 영국, 독일, 프랑스)에서 총 116개(대구경북 33개, 서울경기 59개, 기타지역 16개, 해외 8개)의 갤러리가 참여하며 1,000여 명의 작가의 회화, 조각, 판화, 영상, 설치 등 4,500여 점의 근현대 미술 작품이 소개된다. 주최측에 따르면 이번 디아프 2023에 전시되는 작품 중 주목할 최고가의 작품은 갤러리 혜원에서 출품하는 이우환 작가의 100호 작품 ‘From line’과 비앙 갤러리에서 출품하는 알렉스 카츠의 100호 작품 ‘Laura 13’이라 밝혔다. 이 작품은 현재 시장에서 2~30억에 거래되고 있다. 이 외에도 블루칩 작가로 분류되는 이건용, 이우환, 박서보, 이배, 곽훈, 백남준, 김태호, 최병소, 김종학, 남춘모, 김창열, 전광영, 윤병로, 박석원, 이명미 등 한국을 대표하는 작가들이 참여하고, 해외 인기 작가로는 야요이 쿠사마, 무라카미 다카시, 앤디 워홀, 조지 콘도, 조엘 메슬러, 애니쉬 카푸어, 로즈 와일리, 알렉스 카츠, 제프 쿤스, 매튜 스톤, 로버트 인디애나, 바이런 킴, 나라 요시토모, 하비에르 카예하, 데이비드 호크니, 장 미셸 오토니엘, 줄리안 오피, 루이스 부르조아, 캐서린 번하드, 캐서린 안홀트, 페르난도 보테로, 조르디 핀토 등의 작품이 출품되어 미술애호가들의 관심을 이끌 것으로 기대하였다. 또한, 올해는 외연 확장은 물론 다양한 프로그램을 준비하는 한편, 심사 항목과 참가 승인 기준을 높여 참여 화랑과 출품작 수준을 높이면서 프리미엄 아트페어로 도약하기 위한 준비를 마쳤다고 밝혔다. 먼저 특별전에서는 40여 년 전으로 시간을 거슬러 올라가 ‘대구현대미술제’의 의의를 오늘에 되살리고 그 역할을 상기시키는 ‘대구현대미술제, 도전과 저항의 역사’라는 아카이브 전시를 선보인다. ‘대구현대미술제’는 60, 70년대 이후 발달된 섬유산업을 기반으로 형성된 문화자본으로 1974년부터 1979년까지 총 5회에 걸쳐 대구에서 열렸다. 이는 한국 미술사상 최초로 현대미술에 대한 다양한 실험이 난무한 전국 규모의 미술축제였으며, 이를 시발로 이듬해인 1975년부터 서울, 부산, 광주, 전주, 강원 등지에서 ‘현대미술제’가 잇달아 열렸다 윤진섭 평론가가 기획한 올해 특별전은 2018년에 대구미술관에서 열린 ‘저항과 도전의 이단아들’전을 잇는 전시로 통해 대구 현대미술의 과거와 현재, 그리고 미래에 대한 탐색이 지속되기를 바라는 마음에서 기획되었으며, 특별전에는 강국진, 김구림, 김기동, 김영진, 김용민, 김진혁, 서승원, 성능경, 이강소, 이건용, 이교준, 이명미, 최병소 작가의 작품이 소개된다. 또 다른 특별전으로 다양한 장르를 통합하는 다원예술형식을 추구, 동시대 과학기술과 신화적 스토리텔링의 작업을 진행하며 각기 다른 형식들의 이야기를 하나로 묶어 선보이는 리우 작가의 ‘미다스여왕’ 작품이 조각 특별전 공간에서 전시된다. 한편, 디아프는 대구관광협회와 협업하여 대구시티투어 버스 1대를 행사 기간 동안 셔틀로 무료로 운행되어 아트페어를 더욱 편리하게 즐기고 대구 주요 관광지를 함께 투어하고 싶다면, 대구시티투어 버스를 이용하면 된다. 디아프 입장권을 소지한 관람객은 동대구역에서 대구시티투어버스를 탑승하여 EXCO를 방문할 수 있으며, 디아프 관람 후 수성못, 대구미술관을 투어 할 수 있어 대구 주요 지역 관광 및 전시 관람을 지원하게 된다. 이 외에도 2022년부터 강연과 아트 토크의 횟수를 늘이고, 강연장의 모든 프로그램들을 실시간으로 온라인 채널을 통해서 라이브 방송을 진행한 디아프는 올해에도 ‘라이브 룸(Live Room)’에서는 총 10회의 다양한 강연과 아트토크가 진행된다. 강연자로는 백세희 변호사, 널 위한 문화예술 COO 이지현 대표, 인기 도슨트 정우철, 윤진섭 평론가, 노재명 MZ컬렉터, 즐거운 예감 임지영 대표, 국제변호사 이유경, 한국문화예술법학회 송호영 회장, 프리즈 아시아 VIP 및 사업개발 총괄 이사 권민주, 아트메신저 이소영 등이 참가한다. 특히 11월 2일 VIP 프리뷰 날에 열리는 백세희 변호사의 강연은 VIP를 대상으로 하여 '미술품 구매에 필요한 법률 상식'을 주제로 하고 있어 많은 컬렉터들에게 실질적으로 도움이 되는 강연이 될 것으로 기대된다. ‘라이브 룸’에서 진행되는 모든 강연 및 아트 토크 프로그램은 Diaf 공식 계정의 인스타그램, 유튜브로 실시간 생중계 되어 전 세계 어느 곳에서든 시청과 소통이 가능하다. 전문 미술 해설가의 설명을 들으며 참여 화랑들의 작품을 관람하는 ‘도슨트 투어 프로그램’은 참여 갤러리를 3개의 존으로 나누어 매일 2회(낮 1시, 3시) 동시에 진행되고, 11월 2일 VIP 프리뷰 오픈일에는 VIP를 대상으로 오후 5시에 1회 운영 된다. (1회당 약 1시간 소요) 라이브룸 강연과 도슨트 프로그램은 각각 매회 50명과 20명의 인원제한이 있으며, 온라인 사전 예약을 통해 참여하는 모든 관람객들에게 디아프 굿즈를 현장에서 선물로 증정하는 이벤트가 진행된다. 한편, 메인 스폰서인 BC카드와 업무제휴로 BC카드를 이용한 온-오프라인 티켓 구입 시 티켓 가격(15,000원/VIP 60,000원)의 30% 할인이 관람객에게 제공된다. [권수진 기자] [일반권 예매할인 12,000원 / VIP권 예매할인 50,000원 / 일반권 BC카드 결제시 8,400원 / VIP권 BC카드 결제시 35,000원]

[서울문화인] 올해로 2회를 맞이하는 2023진주전통공예비엔날레가 오는 11월 1일부터 11월 30일까지 진주철도문화공원 차량정비고, 일호광장 진주역에서 펼쳐진다. 진주시는 인접한 지리산의 풍부한 목재를 바탕으로 진주 고유의 문화예술이 입혀진 진주소목은 국내 최고의 수준을 자랑하는 곳으로 유네스코 공예 및 민속예술 창의 도시로 지정된 도시이다. 진주전통공예비엔날레(이하 비엔날레)는 유네스코 창의 도시 간 교류의 목적과 함께 공예 문화의 발전과 지역 고유의 공예산업 발전과 한국공예의 우수성을 세계에 알리고자 개최되는 비엔날레이다. 진주전통공예비엔날레, “오늘의 전통을 세우고 내일로 이어지는 새로운 전통을 만들 것” 비엔날레 조직위원회는 비엔날레 개막을 앞두고 지난 10월 5일 서울 인사동 KCDF 갤러리에서 가진 간담회에서 올해의 비엔날레는 ‘오늘의 공예, 내일의 전통’이라는 주제아래 전통공예 본연의 공예정신과 전통의 창조적 재해석에 기반하여 오늘의 전통을 세우고 내일로 이어지는 새로운 전통을 만들고자 한다고 밝혔다. 올해 비엔날레에서는 전통의 기술과 정신을 계승하는 4대 공예(도자, 목, 금속, 섬유)분야 국내 대표 중진 작가 37명과 이탈리아 꼬모, 일본 가나자와 시 등 총 9개국 10개 도시 작가들의 전통공예품이 비엔날레에 참여한다. 본전시는 철도문화공원 안에 자리한 구 진주역사, 차량정비고를 새롭게 바꾼 일호광장진주역과 진주차량정비고에서 유네스코창의도시관과 주제관으로 나뉘어 운영된다고 밝혔다. 등록문화재 제 202호인 1925년 건립된 진주역 차량 정비고는 1923년 마산-진주를 잇는 경남선 개통과 함께 건립된 건물로 아치형 출입구 2개를 나란히 배치되었으며, 중앙 상부에 솟을지붕을 만들기 위해 왕대공 트러스를 변형하여 구성하였다. 건물 정면 가운데 위쪽에는 둥근 창을 설치하였고, 왼쪽과 오른쪽 벽면에는 지붕트러스를 받치도록 버팀벽을 설치하였다. 벽면에는 한국전쟁 때의 비행기 기관총 사격을 받은 총탄 흔적이 그대로 남아 있어 긴박했던 당시 상황을 전해준다. 또한, 비엔날레 기간 동안 ‘전통, 지속가능한 미래를 열다’라는 주제로 담론을 펼치는 국제학술대회가 프랑스 문화예술학회와 공동주최로 개최되며, 유네스코 선정 해외 창의도시 작가들과 진주지역 공예작가들이 협업한 진주아티스트인레지던스, 진주실크레지던스 프로그램의 결과작품 전시회와 진주전통공예창업아이디어 공모전 수장작 전시회도 개최된다. 연계 행사로는 진주공예인협회의 ‘진주공예인전’이 진주철도문화공원 내에서 개최되며, 진주공예를 소재로 한 다양한 공예체험 프로그램이 운영되어 진주전통공예비엔날레를 찾은 관람객들에게 다양한 경험을 선사할 예정이다. 이날 조일상(동아대학교 명예교수) 예술감독은 “올해 비엔날레는 유네스코 공예 및 민속예술 창의도시로 지정된 진주시가 유네스코 창의도시 간 교류를 증진하고 진주의 공예, 한국공예의 우수성을 세계에 알려 진주전통공예의 발전을 목표로 한다.”고 밝혔다. 한편, 비엔날레 개막에 앞서 KCDF 갤러리에서는 2023진주전통공예비엔날레 본전시를 홍보하기 위해 진주의 대표 공예인 소목 작품들을 선보이는 ‘진주소목 in Design’프로젝트를 선보였다. 10월 8일까지 진행된 전시에는 진주 소목의 전통을 이어오고 있는 6명의 소목장과 6명의 현대 가구디자이너의 디자인협업프로젝트로 전통적 기법이 적용되었지만, 현대 생활에 쓰임을 가지는 작품 20점과 진주 전통소목 작품 8점을 선보였다. [허중학 기자]

[서울문화인] “오만사년 누릴 도읍 한양성중 거룩하다. 산천누각 성곽지당 웃글에 하였으니 다시 할 말 아니로되 예의동방 장할시고, 원생고려 한단 말은 중원사람 말이로세. 추차언이 관지하면 제일강산 가지로다. 산악수가 받아나니 충효인물 총총하다. 범절이 이러하니 천하제국 제일일다.” 1844년(헌종 10) 조선 후기 한산거사(漢山居師, 생몰년·신원미상)는 『한양가漢陽歌』을 통해 수도 한양의 풍경을 눈으로 직접 본 듯 조선의 왕도인 한양성(漢陽城)의 연혁을 시작으로 풍속, 문물, 제도, 도국(都局) 및 왕실의 능행경(陵幸景)등을 최초로 한글 가사로 노래하였다. 지금의 서울은 조선시대부터 600년간 우리나라의 중심 도시이자 모든 문화의 중심이 되는 곳이다. 현재의 서울은 대한민국 어디서나 일일생활권을 넘어 반나절 생활권이 된지도 오래고 모든 소식은 실시간으로 전해들을 수 있지만 여전히 서울은 그 어느 도시보다 핫한 도시이자 많은 사람들의 이목이 집중되는 도시이다. 조선시대 한양은 500년 도읍이었지만 여전히 대부분의 사람들에겐 일생동안 한 번 다녀가기가 쉽지 않은 곳이었을 것이다. 그런 만큼 그 호기심은 지금보다 더 컷을 것이다. 그렇다면 조선시대에는 수도 ‘한양’을 어떻게 보았을까? 국립한글박물관(관장 김영수)은 조선 후기 풍요롭고 구경거리가 넘쳐나던 서울의 풍경을 담은 한글 노래 『한양가』를 중심으로, 한글로 노래한 한양을 살펴보는 기획특별전 <서울 구경 가자스라, 한양가>를 국립한글박물관 기획전시실에서 선보이고 있다. 우리말글의 관점에서 『한양가』의 가치를 조명한 최초의 전시 “남쪽은 숭례문과, 동쪽은 흥인문과, 서쪽은 소의문(昭義門)과, 북쪽은 창의문이 사관이 되었으니, 수문장 부장 호군(扈軍), 수문군 영통(領統)하며, 칼을 꽂고 신칙(申飭:타일러 삼가게 함)한다.” 『한양가』는 한양만을 본격적으로 다룬 최초의 한글 문학이자, 한양 시장에서 파는 물건, 별감의 승전(承傳)놀음 등 다른 사료나 개인 문집 등에는 없는 조선 후기 한양의 역사와 문화를 보여주는 내용이 다수 수록되어 있을 뿐만 아니라 그 묘사가 매우 생생하여 한양을 이해하는 데 더할 나위 없는 훌륭한 길잡이 역할을 하며 당시 사람들에게 큰 인기를 끌었다. 이는 상업용 출판물인 방각본으로도 간행되었음을 통해 유추할 수 있다. 『한양가』의 중요한 내용을 문단별로 추려보면, ① 한양의 지세와 도국, ② 궁전 보탑(寶榻), ③ 궁방(宮房) · 내시(内侍) · 나인(内人), ④ 정원(政院) · 의정부(議政府), ⑤ 육조관아(六曹官衙), ⑥ 조마거동(調馬擧動)과 여러 관서(官署), ⑦ 선혜청(宣惠廳)과 여러 관서, ⑧ 성첩(城堞)과 백각육의전(百各六矣廛), ⑨ 마루저자, 광통교와 구리게 전방(廛房), ⑩ 유희와 유희처, ⑪ 승전노름과 복식(服飾) 및 기생점고(妓生點考)와 가무(歌舞), ⑫ 능행경, ⑬ 과장풍경(科場風景)과 유가경(遊街景), ⑭ 한양찬(漢陽讚) 등 2율각 1구로 하여 총 1,528구로 구성되어 있다. 전시는 국립중앙박물관 및 국립중앙도서관 등 여러 기관에 흩어져 전하는 『한양가』의 목판본과 목판, 다양한 필사본들을 한자리에서 만나볼 수 있는 흔치 않은 자리이다. 또한 『한양가』의 내용 이해를 돕기 위한 유물로 한글로 풀어쓴 전염병 치료서 『간이벽온방언해』(1578)(보물), 김천택이 엮은 우리나라 최초의 가집 『청구영언』(1728)(보물), 허준이 저술한 동아시아 최고의 의학서 『동의보감』(1613)(초간본), 조선 후기 거문고 악보 『삼죽금보』(국립국악원, 서울특별시 유형문화재) 등 중요 자료 및 희귀본들도 만나볼 수 있다. 이 외에도 조선 전기 한양의 열 가지 경치를 노래한 한시로, 기록으로만 전해지던 국내 유일본 『한도십영漢都十詠』(1479년경, 국립한국문학관)가 실물로 처음 공개되었다. 전시는 『한양가』에 묘사된 조선 후기 한양의 여러 공간을 거니는 것처럼 전시장을 구성되었다. 왕의 공간 궁궐에서부터 관아가 있는 육조거리, 왁자지껄 시장, 별감의 승전놀음, 왕의 능행길, 궁에서 열린 과거 시험장 풍경 등을 관련 유물 및 인터랙티브 영상 등을 통해 입체적으로 보여준다. 전시장 마지막은 『한양가』 이후의 서울 관련 문학 작품을 비롯해 사진 및 지도, 서양 서적 등 다양한 자료를 통해 근대 도시로 변모하고 끊임없이 도약하는 수도 서울의 모습을 소개하고 있다. 특히 전시의 안내는 종이 출력물 대신 온라인 형태로 전환해 개인 모바일 기기 등에 파일을 볼 수 있도록 하였다. 중요 전시 유물 36건은 전시장에서 정보 무늬(QR코드)를 통해 개인 모바일 기기 등에서 전시 설명 및 이미지, 음성 안내 서비스를 받을 수 있게 하였다. 전시 연계 프로그램으로는, 오는 10월 13일(금) 국립한글박물관 지하 1층 강당에서 <『한양가』로 그려낸 조선 후기 한양>이라는 주제로 학술대회를 개최한다. 문학, 국악, 역사, 복식사, 미술사 등 각 분야의 전문가들이 모여 조선 후기 한양 사람들의 삶과 문화를 담아낸 한글 노랫말의 가치를 조명할 예정이며, 또한 11월 한 달간 기획전시실 입구에 비치된 문제지를 풀고 응모하면 추첨을 통해 상품을 증정한다. 전시는 2024년 2월 12일(월)까지 진행된다. [허중학 기자]

[서울문화인] 거꾸로 서 있는 집, 작품 한가운데 사람과 강아지가 둥둥 떠다니며, 나무 아래 해와 달이 동시에 떠 있는 등 도무지 이해할 수 없는 난해한 구성과 어디서도 본 적 없는 파격적인 구도가 펼쳐져 있다. 그러나 그의 작은 화폭에 그려진 그림을 가만히 들여다보고 누군들 사랑하지 않을 수 있을까. 그 어디에도 얽매이지 않고 자유로운 강아지, 순박한 농민을 닮은 소, 기쁜 소식을 전한다는 까치는 누군가에게 기쁜 소식을 전하는 듯 나무위에 앉아 어딘가를 응시하고 있다. 그의 그림 속 동물들은 한없이 귀엽고 평온한 모습을 하고 있다. 그렇지만 거기에 빠지지 않는 것이 가족이다. 어쩌면 그의 그림 속에 등장하는 동물은 행복한 가족을 극대화하는 매개체가 아닌가 싶다. 그렇다고 그의 작품은 마냥 동화적인 것만은 아니다. 동양적 철학을 아주 간결한 이미지로 표현하고 있다. 비록 작은 화폭에 간결하게 그려내었지만 그 어느 화가의 대형 작품보다 큰 철학을 품고 있다.그래서인가 장욱진의 그림은 ‘어린아이의 시선에서 바라보는 동화’같은 감정과 함께 ‘매우 철학적이다’는 감정이 공존한다. 국립현대미술관 덕수궁에서 지난 14일부터 ‘장욱진 회고전’을 진행하고 있다. 장욱진張相鎭(1917-1990)은 한국 근현대 화단에서 김환기, 박수근, 이중섭, 유영국 등과 함께 다섯 손가락 안에 꼽히는 2세대 서양화가이자, 1세대 모더니스트이다. 그러나 앞서 박수근, 이중섭, 유영국은 국립현대미술관에서 깊이 있게 소개한 적이 있었으나, 김환기와 장욱진을 회고하는 전시는 기억에 없다. 참고로 김환기의 회고전은 현재 호암미술관에서 개최되고 있다. 장욱진은 현재 알려진 작품들만 헤아려도 730여 점의 유화와 300여 점의 먹그림, 그리고 그는 매직펜 그림, 도자기 그림까지 다양한 매체를 활용하여 장르에 구애받지 않고 왕성한 작품 활동을 펼쳤다. 특히 그는 일상적이고 친근한 나무와 까치, 해와 달, 집, 가족 등 몇 가지 제한된 모티프만을 평생에 걸쳐 그렸다. 그런 탓에 장욱진에게는 늘 “동심 가득한 어린아이처럼 그리는 화가”라는 수식어가 따라붙는다. 그러나 그가 주로 활동하던 시기는 앵포르멜, 단색조 회화, 민중미술 등 거대 담론이 오가며 100호 이상의 대형 작품들이 유행하던 시기였다. 그래서인지 미술계에서도 상대적으로 소박한 까치나 가족이란 주제를 일관되게 그렸던 장욱진의 10호 미만 작품들은 “작고 예쁜 그림”으로 치부되며 온전한 평가가 이뤄지지 못했다. 하지만 그의 작품을 바라보며 만약 이 그림이 대형 작품으로 그려졌다면 앞서 느낀 ‘동심 가득한 감정’과 ‘동양적 철학’을 오히려 강하게 느낄 수 있을까 하는 생각이 든다. 국립현대미술관에 선보이는 이번 전시는 작가의 1920년대 학창 시절부터 1990년 작고할 때까지 약 60년간 꾸준하게 펼쳐 온 장욱진의 미술 활동을 총망라하여 소개하는 전시로 전시에는유화, 먹그림, 매직펜 그림, 판화, 표지화와 삽화, 도자기 그림 등 270여 점을 청년기(10~20대), 중장년기(30~50대), 노년기(60~70대)로 재구성하여, 궁극적으로 그가 추구하던 ‘주제 의식’과 ‘조형 의식’이 어떻게 형성되어 변모해 나갔는지를 살펴보고 있다. 장욱진은 참된 것을 위해 뼈를 깎는 소모까지 마다하지 않는 진솔한 자기 고백으로 창작에 전념했고, 그림 그리는 시간의 대부분을 방바닥에 쪼그려 앉아 수공업 장인처럼 그렸다. 이렇듯 지속적이고 일관된 그의 창작 태도는 작품에서도 드러나는데, 장욱진은 60여 년 화업 인생 동안 제한된 몇 가지 소재들을 반복해서 그렸다. 전시를 기획한 배원정 학예연구사는 전시 제목 ‘가장 진지한 고백’은 “그림처럼 정확한 내가 없다”고 말한 장욱진의 화문집(畵文集) 『강가의 아틀리에』 서문에서 착안했다고 한다. 전시실 1층 1부와 4부에서는 초년기부터 노년기까지 연대별로 작품 세계를 볼 수 있게 구성되었다. 2층 2부에서는 장욱진 그림에서 반복되는 소재들을 ‘내용’과 ‘형식’으로 접근하여 장욱진 그림을 보다 쉽고 깊게 이해할 수 있도록 하였으며, 2층 3부에서는 장욱진의 불교적 세계관과 철학적 사유에 대해 면밀히 다루고 있다. 1부, 첫 번째 고백 <내 자신의 저항 속에 살며>에서는 그의 학창 시절부터 중장년기까지의 작품으로 학생작품전에서 상을 탄 <공기놀이>(1938)와 문자를 추상화시킨 과정을 보여주는 <반월·목半月·木>(1963), 뼈대나 윤곽만으로 대상을 조형화시키며 기호화된 형태를 그린 <자화상>(1973) 등을 통해 초기 화풍의 형성과정을 볼 수 있다. 완숙한 장욱진 작품의 전형(典型)이 완성되기까지 장욱진만의 독창적인 한국적 모더니즘이 창출되는 여정을 따라갈 수 있다. 또한 장욱진 관련 아카이브들을 통해 ‘신사실파’ 이 외에 알려지지 않았던 미술단체들의 활동 이력과 전람회 출품 등 새롭게 밝혀진 장욱진의 초기 행적과 기존에 알려진 작품명의 오류를 바로잡은 연구 성과도 확인할 수 있다. 2부는 두 번째 고백 <발상과 방법: 하나 속에 전체가 있다>이다. 이 공간에서는 장욱진 그림에 반복적으로 등장시키는 소재들을 자세히 분석하고 있다. 이 가운데 그의 분신 같은 존재인 ‘까치’, 그의 온 세상을 품는 우주인 ‘나무’, 그리고 시간과 공간을 초월한 영원성의 매개체를 상징하고 있는 존재 ‘해와 달’을 선정해 각각의 소재들이 지니는 상징성과 의미, 도상적 특징의 변모 과정을 살펴보고 있다. 이처럼 이 공간에서는 장욱진 작품에 반복적으로 등장하는 소재들의 의미와 이들이 작품 속에서 어떻게 구성되는지 그의 ‘발상과 방법’을 살펴볼 수 있다. 이번 전시에 장욱진의 생전 마지막 작품인 <까치와 마을>(1990)이 최초로 전시되며, 그가 처음 그린 표지화 초안과 더불어 한국 전쟁 후 가족의 생계를 위해 그렸던 『국제신보』 「새울림」 (글 염상섭, 삽화 장욱진) 삽화 56점 전체가 최초로 공개되고 있다. 3부는 세 번째 고백 <진眞.진眞.묘妙>이다. 이 공간에서는 장욱진이 남긴 불교적 주제의 회화들과 먹그림, 목판화 선집 등을 통해 장욱진의 불교적 세계관과 철학적 사유를 들여다보고 있다. 장욱진과 불교와의 인연은 청년기부터 여러 일화가 언급되지만 실제로 불교 주제의 작품이 등장한 것은 1970년대부터이다. 장욱진은 경전의 종교적 도상을 그대로 차용하지 않고, 자기성찰을 통해 본인이 중요하다고 생각하는 내용과 요소들을 강조하고 변용했다. 장욱진이 최초의 불교 주제 회화로 아내의 초상을 그렸다는 점에서 장욱진에게 ‘가족’이란 불교적 세계관이 투영된 존재임을 알 수 있다. 전시에는 <진진묘>(1970)를 시작으로 해학성이 돋보이는 <심우도>(1979), <무제>(1979) 등과 함께 이번 전시를 준비하며 최근 일본에서 발굴된 장욱진 최초의 가족 그림인 1955년작 <가족>이 최초로 만나볼 수 있다. 4부, 네 번째 고백 <내 마음으로 그리는 그림>에서는 1970년대 이후 그의 노년기를 살펴보고 있다. 이 공간에서는 동양의 정신과 형태를 일체화시켜 한국적 모더니즘을 창출했다고 평가받는 수묵채색화 같은 유화 및 특유의 비현실적 화면 구성 등이 정점을 이룬 작품들을 볼 수 있다. 1973년 전후로 그의 작품에서는 1960년대까지 주를 이루던 강한 마티에르 대신 얇아진 색층이 등장하면서, 조형성이 강했던 졸박한 반추상에서 표현성을 가미한 담채풍의 담졸(淡拙)한 양식으로 변화가 본격화된다. <나무와 가족>(1982), <닭과 아이>(1990) 등 먹으로 그린 동양화를 캔버스에 옮긴 듯한 말년 작품을 만나볼 수 있다. 장욱진 그림의 주요한 특징이라면 무엇보다 ‘지속성’과 ‘일관성’을 꼽는다. 그러면서도 그는 재료를 가리지 않는 자유로움과 하나의 고정된 틀에 얽매이지 않는 창작 태도를 보여주며 끊임없이 변화를 시도했다. 특히 서양화를 기반으로 동양적 정신과 형태를 가미해 이 둘이 무리 없이 일체體를 이루는 경우는 장욱진 외에 한국 현대미술사에서 유례를 찾아보기 힘들다 할 수 있다. 이번 전시는 분명 한국 근현대 화단에서 대중적으로 사랑받는 김환기, 박수근, 이중섭과 또 다른 느낌으로 다가오는 것을 느낄 수 있을 것이다. 한편, 전시와 연계한 다양한 교육프로그램이 마련된다. 장욱진 작품에 등장하는 주요 도상, 이미지를 관찰하고 관람객이 자신의 삶을 도상으로 표현하는 디지털 기반 참여형 워크숍 <나의 진지한 고백>(현장 및 온라인, 상시 참여)과 장욱진의 글을 읽고 자신의 생각과 마음을 그림과 글로 표현해보는 워크숍 <내 마음으로서 그리는 그림>이 진행된다. 더불어 성인을 위한 작품 감상프로그램이 매일 3회차(12시, 14시, 16시) 진행된다. 전시는 국립현대미술관 덕수궁에서 내년 2월 12일(월)까지 진행된다. [허중학 기자]